Gravity Was Everywhere Back Then, de Brent Green (y 2)

Esta es la segunda parte de la reseña, por lo que conviene leer antes acá.

Ahora (recién, hace un rato) volví a por más. Quería ver Gravity... con ella. Tenía que ver Gravity... con ella.

Y sí, volviendo a lo autoreferencial, a mí esta película me puede. Me baja las defensas, me ataca con feroz vehemencia.

Me encantan su extrema desprolijidad (deniveles de volumenes, montaje caprichoso, incorrección visual), su extraña cadencia (afectada por lo narrado, arrastrada por terreno pedregoso), su ominosa necesidad de diferenciarse con todo lo demás. No es el primero que busca esto y seguramente tampoco el que mejor lo logra, pero la idea de Green (ese todo que parte desde la concepción y termina en la exhibición) me puede.

Su alegre tristeza o su triste alegría.

Su tremenda capacidad de contagiar las ganas de hacer algo: esta es, sí, una de esas obras de las que muchas veces hemos hablado en Encerrados. Una película que te da ganas de salir a hacer, de salir a vivir, de salir a ser más vos de lo que eras un rato antes de sentarte en la butaca.

Gravity was Everywhere Back Then pasó casi sin pena ni gloria por el Bafici. Como muchas otras películas en años anteriores, verdaderas joyas de sano, personal y envidiable fulgor. Sólo los que las vivieron saben de qué películas estoy hablando.

Sí, Gravity... es una de esas...

Todos los premios del Bafici 13

Selección Oficial Internacional

- Mejor Película: Qu’ils reposent en révolte (des figures de guerres) de Sylvain George (Francia)
- Mejor Director para: Athina Rachel Tsangari por Attenberg (Grecia)
- Mejor Actor para: Jorge Jelinek por La vida útil de Federico Veiroj  (Uruguay / España)
- Mejor Actriz para: Jeanne Ballibar por At Ellen´s Age de Pia Marais (Alemania)
- Mención especial para: Mercado de Futuros de Mercedes Álvarez (España)
- Mención especial para: Las marimbas del infierno de Julio Hernández Cordón (Guatemala / Francia / México)
- Mención especial para: Os Monstros de Guto Parente, Luiz Pretti, Pedro Diógenes y Ricardo Pretti (Brasil)
- Distinción a Mejor Película Argentina: Yatasto de Hermes Paralluelo (Argentina)
- Premio Especial del Jurado para: El estudiante de Santiago Mitre (Argentina)

Selección Oficial Argentina- Distinción Mejor Fotografía: Iván Fund y Eduardo Crespo por Hoy no tuve miedo de Iván Fund (Argentina)
- Premio Mejor Director: Román Cárdenas por Las Piedras (Argentina)
- Premio Mejor Película: La carrera del animal de Nicolás Grosso (Argentina)

Cine del Futuro
- Mención para: Year Without a Summer de Tan Chui Mui  (Malasia)
- Mejor Película para: Verano de Goliat de Nicolás Pereda (México / Canadá)

Competencia  Oficial de Cortometrajes
- Mejor Cortometraje: El juego de Benjamín Naishtat (Argentina / Francia)
- Mejor Cortometraje: Soy tan feliz de Vladimir Durán (Argentina)
- Mejor Cortometraje: La fiesta de casamiento de Gastón Margolin y Martín Morgenfeld (Argentina)

Premio FIPRESCI
- Premio: Qu’ils reposent en révolte (des figures de guerres) de Sylvain George (Francia)

Competencia UNICEF
- Mención para: Kick in Iran de Fatima Geza Abdollahyan (Alemania)
- Premio: Yatasto de Hermes Paralluelo (Argentina)

Competencia Derechos Humanos
- Mención para: Jean Gentil de Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán (República  Dominicana / México/ Alemania)
- Mención para: El Casamiento de Aldo Garay (Uruguay)
- Premio ex aequo para: Palazzo delle Aquile de Stefano Savona, Alessia Porto y Ester Sparatore (Francia / Italia) y Fix Me de Raed Andoni (Palestina / Suiza / Francia)

Premio FEISAL
- Mención especial: Yatasto de Hermes Paralluelo (Argentina)
- Mención especial: La vida útil de Federico Veiroj (Uruguay/ España)
- Premio: El estudiante de Santiago Mitre (Argentina)

Premio Asociación Cronistas Cinematográficos Argentinos
- Premio: Ostende de Laura Citarella.

Premio ADF
- Premio a los Directores de Fotografía: Gustavo Biazzi, Soledad Rodríguez, Federico Cantini y Alejo Maglio por su labor en el film El estudiante de Santiago Mitre (Argentina).

Premio SIGNIS - Mención especial: Norberto apenas tarde de Daniel Hendler (Uruguay/ Argentina)
- Premio: Morgen del director Marian Crisan (Rumania/ Francia/ Hungría)

Embolewood

Ostende de Laura Citarella
Me interesó ir a ver esta peli porque la directora había trabajado con Llinás y la película transcurría en el gran hotel Ostende que imaginé entonces como algún elefante monumental del pasado, edificado según alguna clase de arquitectura aberrante y desbordantes de historias. Error. Se trató de otra película de gente relacionada al cine que parece se aburre muchísimo o intenta no aburrirse leyendo novelas de Le Carre o imaginándose cosas del vecino; la fantasia básica del aburrido; descubrir un asesino o alguna clase de historia estrafalaria en la habitación de enfrente. Lo bueno de la pelí es la actriz protagonista y las actuaciones que en general son creíbles y espontáneas. También hay unas lindas tomas del mar y una tormenta llegando. Ahí se acabó. No es de las peores del género y es correcta, pero qué necesidad? Lo más curioso fue la presentación de la película por gente del festival, ensalzándola a niveles ridículos y sosteniendo que este es el cine que intenta promover. Es decir, de amigos que muestran lo que hacen. Para la presentadora la pelí mostraba un uso desprejuiciado de los géneros. La pelí pasaba de chica embolada al misterio cuando se cruzaba con un vecino del hotel, ahí una música de suspenso nos anunciaba el cambio. Algunos chistecitos supongo que serán los que representan la comedia. Notable. Para comprender porque se muestran tantan cosas que mejor sería ver en las escuelas de cine como trabajos previos, tesis de graduación, fin de beca, etc, etc o por qué no, en proyecciones privadas entre amigos hay que comprender que se programan películas porque encajan con las ideas teóricas de ciertos programadores y/o críticos que son básicamente pocas y simplonas por ser optimistas; o la idea también muy egoista de esto es lo que podría hacer yo algún día así que más vale lo apoyo. Es verdad que es también una muestra de un estado de cosas, es lo que hay. De ahí a promoverlo...

Dj malhumor.

This is Britain: The Arbor de Clio Barnard

He aquí una película no banal; profundamente humana y profunda. ¡Cuanto cuesta decir estás palabras! Un documental hecho con actores que pusieron el cuerpo a las voces de los verdaderos protagonistas. Un recurso que de tan sencillo parece obvio y sin embargo no lo es. Se trata de reconstruir la vida de una dramaturga proveniente de la clase más postergada de la Inglaterra de Thatcher que terminó tan malamente como había vivido. Pero no se trata de ningún artista maldito en el sentido en que estamos acostumbrados. No se trata de la maldición del genio, se trata de la maldición que produce la miseria. Lo que empieza como la historia de una madre se mueve hacia los hijos y nietos; no podía ser de otro modo en una auténtica tragedia que se mueve siempre a través de las generaciones. Sin perder de vista a Andrea Dunbar, de ella se trata, el foco se va desplazando hacia otros lados, hacia los actores secundarios, hacia los espectadores involuntarios que no pudieron escapar la gran ola de infelicidad que arrastraba todo. Un film brillante y sereno frente a tanta histeria y aburrimiento vendido como alguna clase de pensamiento.

Santiago B.

Animal / WOFL 2106 / RGB XYZ / y otros, de David O’Reilly

Creo que el foco de David O’Reilly debe ser el menos difundido, el más corto y el único de animación. También creo que debería estar un poco más difundido, sería genial que fuese más largo, y hasta estaría bueno que no fuese el único de animación.
¿Quién es David O’Reilly? Es un muchacho irlandés a quien actualmente se lo considera una de las promesas de la animación europea, porque, entre otras cosas, uno de sus cortos ganó el Oso de Oro en la Berlinale hace un par de años (si se preguntan cómo luce, una amiga lo definió como: “una especie de Harry Potter, pero más canchero”).
Su estilo de animación es demasiado variado (desde algo digno de un videogame de los 80 hasta una animación donde los dibujos fueron hechos en Paint) como para encasillarlo en un estilo determinado, pero si tuviese que compararlo con alguien lo haría con Shynola, ese gran grupo de artistas visuales ingleses, que nos dieron videos musicales tales como: Pyramid Song (Radiohead), Good Song (Blur) o Move Your Feet  (Junior Senior); sin mencionar la apertura de The IT Crowd o la de Scott Pilgrim vs the World.
Ahora bien, ese es su estilo, su forma. Pero por más destreza que tenga en ese tipo de animación (y realmente la tiene), lo que sorprende es lo que cuenta, las pequeñas historias, los momentos graciosos, absurdos e irremediablemente tristes. En algunos casos humaniza comportamientos meramente animales, en otros deshumaniza al estereotipo clásico de persona apta para vivir en sociedad. Le encanta que te interiorices con la historia para poder sacarte rápidamente y volverte a dejar justo donde te habías quedado, sin perder nada.
Les podría contar muchas cosas que hizo (como un video para U2) o personas con las que compartió una tarde amena (como el director Sion Sono), pero nada de eso es importante. Entre tantas cosas que no hay que ver en este BAFICI, yo les digo una que sí tienen que ver. Es solo una hora. Créanme, vale la pena.

Gustavo Mellado

Memory Lane, de Mikhaël Hers

Cuando fui a buscar entradas no había mucho para elegir, los grandes éxitos del prime time ya estaban agotados. Las que quería ver las pasaban en el medio de la tarde, justo en el momento en el que no puedo salir del laburo ni excavando un túnel. Así, con un panorama desalentador, extrañando épocas de freelancer o subocupado, aposté por la menos arriesgada y menos experimental de las cinco que había disponibles en la franja horaria que tenía para disfrutar de buen cine independiente. Y me clavé otra vez como un gil, no aprendo más. No solo me tocó la peli más intrascendente del festival, además ligué el público más preocupado por trascender los límites de su butaca del Bafici. ¡Parecía que todos se habían tragado un parlante! Antes de empezar, chicas que contaban lo genial de sus vacaciones brasileñas a los gritos y muchachotes que se quejaban de la oferta culinaria del Abasto. Después, dos jovencitas en lo que sería su primer festival que comentaban lo fuerte que estaba cada uno de los personajes y se escandalizaban con ah buenos a la hora de la aparición de la primer teta en pantalla, del otro lado dos señoritas con pinta de tener ya una decena de baficis adentro que se escandalizaba igual y agregaba carcajaditas nerviosas. Y eso que todavía no les conté de la pareja que desobedecía la consigna del Hoyts de despochoclerizarse y se pochoclerizaba con un pororó crujiente y explosivo mientras rasguñaban y rasguñaban la bolsa. Y mientras tanto tratabamos de ver una de uno que se hacía el Rohmer, uno que se hacía el francés cul y mostraba como al pasar la vida de siete francesitos clase media que viven un verano de lo más embolante, pero que por alguna razón que no se ve en el film es inolvidable. Bueno, uno se levanta a la que se parece un poco a Julie Delpy, pero nada más, no se la levanta laburando mucho ni sufriendo horrores ni peleando contra sus siete ex novios, se la levanta porque cuando empieza la peli uno ve que -como diría mi vieja- "hacen linda pareja". Y todo así, todo el tiempo esa sensación de esta ya la vi y no la quiero volver a ver. Pero uno no aprende más y va y la ve otra vez.

J. Pérez

¿El amor era esto? True Love, de Ion de Sosa

Bueno, estoy haciendo muchos comentarios negativos, me siento Homero después de que los críticos gastronómicos le exijan que empiece a escribir reseñas en contra de los restaurants que visita.

Pero es que... quizás estoy movido porque recién llego, quizás mañana piense distinto, no sé. Pero hoy ¿jueves? ponele que jueves a las 2.04 am, según marca el relojito de la pc 25 de este cyberchino, puedo decir que True Love es la peor película del Bafici que vi en mi vida. Con todo lo que eso implica.

No lo es, pero podría ser una gran parodia de ciertos gestos no sólo del cine indie sino de las cosas que realiza la gente que quizás recibe una cámara de video o de foto por primera vez, entonces captura imágenes por la ventana o de sus pies y cree que ha descubierto su verdadera vocación como artista. Y después piensa "claro, porque es como que es como la representación del espacio". ¡Pero que utilices la palabra espacio no implica que lo que hagas esté bueno, la puta madre!

True Love tiene una idea, representar una ruptura amorosa a partir del cambio en el espacio de la vida del tipo. No es mala idea en sí, pero lo representa de la manera más banal, boluda y obvia del mundo: con planos-fotos fijas sobre esos espacios a través del tiempo. Insistentemente durante una hora y pico. Puertas, ventanas, plantas, plaza. Con planos abruptos y con una ligera modificación de encuadre para darle otro touch. Eso es todo. Eso que podría ser el primer TP de cualquier estudiante no de cine sino de un tallercito de expresión para hippies de clase alta en una sociedad de fomento instalada para lavar guita. Esa porquería anodina, simplona, obvia, ridícula, aburridísima, criminal. No sé, es tremendo, les juro que fue tremenda la experiencia. Y pensar que salí de The Turin Horse diciendo que le faltó algo. Es una joya increíble comparada con esta película! este mouse al que no le anda la ruedita es una joya comparado con esta película!

Les juro que fue como "Un buen día" pero indie.

Mañana va a ser mejor. Aun si me cae un meteorito en la cabeza de camino al Abasto va a ser mejor.

PD: Igual al hijo de Porcel le re gustó.

Cosas que NO hay que ver: Lenz, de Thomas Imbach y At Ellen's Age, de Pia Marais

No sé si las siguen dando pero por las dudas quería alertar sobre estos dos bodrios alemanes. Uno es alemán (At Ellen's Age) y el otro es suizo (Lenz). El 80% de las películas indies alemanas (y de varios países ricos o enriquecidos del centro de Europa) de los últimos 20 años se basan en 3 puntos: a) El protagonista sufre "el desmoronamiento de su mundo". Esto es, pierde el trabajo, la pareja lo deja, los hijos no lo quieren, la mamá le corta la internet... algunas de esas cosas. b) Su derrotero psicológico lo lleva a conocer gente superficial, participar de fiestas decadentes en las que se aísla y emborracha, tener sexo casual con gordas o gente fea, relacionarse con gente rara que no tiene nada que ver con él/ella. c) Se vuelve loco/a y hace cosas que hacen los locos en el cine indie: golpearse, tocar canciones borracho, mirar por la ventana, bañarse con la ropa puesta, acosar gente en "busca de contacto humano". En Lenz hay un tipo al que lo dejan su mujer y su hijo, a la vez está filmando un documental sobre él mismo (no se entiende bien esto, además Imbach como reconoció públicamente, usa distintos registros, 16mm y digital, por una cuestión práctica, entonces esos cambios confunden al que pudiera pensar que hay alguna razón relacionada con el intradocumental) y se vuelve loco, conversa con turistas, se quiere levantar una gorda, termina tocando canciones borracho y en soledad, mira por la ventana, trata de acosar a la ex niñera de su hijo porque se siente solo. En Ellen's Age hay una mina al que lo deja su pareja, en crisis nerviosa pierde su trabajo, entonces se vuelve medio loca, conoce gente rara, participa de fiestas decadentes aislándose y emborrachándose, se involucra con unos vegetarianistas radicales (ay ese activismo alemán tierno e inocuo tipo Los edukadores), cambia su vida sin mucha convicción y encuentra la redención en este idealismo primermundista aunque exportado a África, el lugar privilegiado para un estilo de vida menos estructurado y más salvaje. Porque en Africa la gente no piensa, ¿viste? son puro cuerpo. Sí, la película tiene, además, cierto paternalismo racista. Ah, y termina con ella cruzando el horizonte con un negrito africano. Posta.

La verdad es que no sé por qué, quizás yo tengo mala suerte, pero todas las películas indies germanas/suizas/austríacas que vi en estos 13 años de bafici tienen una falta de imaginación formal y narrativa increíble. Podríamos intercambiar escenas entre varias películas y casi no se notaría la diferencia. Pero no los quiero amargar más, sólo quería alertarlos para que no cometan el mismo error que yo. Y que se cuiden. Igual peor fue el nazismo, obvio.

Road To Nowhere de Monte Hellman

Hacer una película después de 21 años y hacerlo con tal dominio de todo nos hace aplaudir de entrada. Una declaración de principios; filmo cuando se me da la gana; soy el dueño absoluto de mi tiempo. En qué lo habrá gastado en estos años? En algún lado Bioy recomendaba escribir solo por necesidad. En algún lugar del film el director dice que las películas son sueños y que hay otros obsesionados por estos sueños. Todos nosotros. Hellman es un director de género; y Road To Nowhere es el género que más nos gusta; el noir; el solo pronunciarlo nos enciende la imaginación. Nos encanta el noir y nos encanta a veces tanto más el noir de autor; el Polanski de Barrio Chino; los Cohen de Simplemente Sange o el Lynch de Mullholland Drive; qué más podemos pedir, conocemos las reglas y sabemos que solo están para ser puestas patas para arriba. La seguridad de una experimentación controlada. Parece una película enorme y en verdad me inclino más por una película pequeña enaltecida por la inteligencia y la mano maestra para las atmósferas. Hay mucho juego de espejos y personajes que van ganando terreno hasta que la hybris los devuelve al lugar que pertenecen. Cada vez me cuesta más escribir sobre algo que me gusta sin no sentir que estoy cometiendo alguna clase de traición; que nadie me invitó a este entierro; que lo mejor es el silencio, desaparecer como algún personaje de Road To Nowhere.

Dj Malhumor

Cold Fish de Sion Sono

De todas las películas que ví está fue la más aplaudida y la provocadora de mayor cantidad de risas. Y sin embargo no es una comedia. Es una película en los límites de la humanidad. Las reacciones son catárticas en todos los casos producto de una exageración necesaria. Hay método en esta locura y eso nos cuida de un director sádico y manipulador. La risa es para soportar. Es gracioso todo. Es gracioso lo que somos. Es una película realista y por eso no tenemos las defensas del gore aunque sin duda puede funcionar en ese nivel. Como no sabía que iba a ver viví esa sorpresa de mi primer Miike o mi primer Kim Ki Duk (el de la isla no el Zen que vendría después). Un terrible gran día

Santiago B.

Gravity Was Everywhere Back Then, de Brent Green

Me voy a poner odiosamente autoreferencial, sepan disculpar.

Me pasa que hay películas con las que siento una conexión muy fuerte aún antes de verlas, quizás a partir de una foto, el poster o -lo más obvio- el trailer. Hablo de los casos en los que en el medio no hay nadie: ni un director al que admire, un actor o actriz de esos que uno visita incondicionalmente, un músico o nada por el estilo. Hablo de una simpatía que se transforma en empatía en el preciso momento en que algo de esa película llega a mí. Ese amor incondicional, esa sensación de afiliación a causas ajenas que prontamente se transforman en propias, no sucede a menudo. Por suerte, por supuesto, sino no sería algo tan especial. Algunas veces -las menos- puede suceder que el visionado de la película cambia, lo arruina: no, esto no era para mí. Sin embargo, lo que pasa casi siempre es que se confirma esa hermandad, esa cercanía, esa fuerte identificación: sí, esto es todo lo que esperaba.

Gravity... es exactamente eso -todo lo que esperaba- cuando me enteré de su existencia unos meses atrás. Es experimental, es puntillosa, es desprolija, es absolutamente libre, es una trampa cuidadosamente puesta por su director, víctima y victimario de una convicción. Es, la obra de un autor. Es la historia de un cineasta reconstruyendo la historia de una construcción hecha por amor. Green, el director, oyó hablar de un tal Leonard Wood, un ferretero que construyó con sus propias manos su casa y que a partir de la enfermedad de su esposa, siguió la obra en clara ascensión, intentando transformar a la casa en una máquina sanadora. Quería curar a su mujer de cáncer. Construyendo.

Más allá de la probablemente falsa premisa, Green parece haberse inspirado en las elucubraciones de un tal Mark Linkous, un fuckin´songwriter, más conocido como el líder de la banda Sparklehorse. La película de Green es a la vez sucia y de una inusitada limpieza; casera, amateur y profesional; oscura y radiante; ínfima y universal; onírica, inasible, fugaz y duradera, con los pies en la tierra, centrada con el eje del universo. Gravity... es una experiencia que hay que vivir así, en pantalla grande, dejándose llevar por esa técnica marciana de animación de fotografías.

Y por el lastimero canturrear de la voz de uno de los narradores (o del único, quizás). Y por esa música que sí, remite a Linkous, aunque quizás lo haga menos que el resto de la película. No es poco decir.

Pese a todo lo embriagador a los sentidos que es el largometraje, el duro, durísimo final es el que nos devela el porqué detrás de un título tan particular. Enterarse por qué la gravedad estaba por todos lados en ese momento es doloroso. Y ahí es cuando la película termina. Y se prenden las luces. Y Wood y Green nos dejan solos. Ahí. Frente. A. Una. Pantalla. Vacía.

En algunos lugares, a la proyección de la película se le suma la presencia de la casa de Wood reinterpretada por Green. En esos lugares deben poner mucha plata para trasladarla. Aquí, en el Bafici, nunca podría suceder.

Gravity Was Everywhere Back Then, de Brent Green. Todo lo que esperaba.

Este es su trailer. Cuidado, cuando termina nos deja mirando otra pantalla vacía. No es la idea...

Gravity Was Everywhere Back Then from Brent Green on Vimeo.

PD: Esta reseña sigue acá.

Attenberg, de Athina Tsangan (II)

Bueno, ustedes saben que por "La Ley de Medios K" Encerrados Afuera está obligado a incluir al menos 1 (una) vez dos (2) críticas (reseñas) para una misma película. Así que por eso y porque tenía ganas de escribir sobre esta película es que aparece este segundo comentario sobre la griega Attenberg, que a mí sí me gustó y me gustó mucho.

Quizás durante los primeros minutos puede parecer que es una película algo extravagante sobre una joven que busca su identidad y horrores baficeros por el estilo. Pero con el correr de la proyección se devela más como una película que se pregunta por los humanos no tanto como conciencias o como formas psicológicas sino como organismos vivos. Es una película muy antropológica. Y acompañamos a Marina, la protagonista, en su encantadora exploración naturalista. Recorremos su cuerpo y el de los otros con planos detalle sobre homóplatos hipertrofiados, pies deformes y tetas, y descubrimos junto a ella y su excesiva narratividad descriptiva el comportamiento sexual y lúdico de los humanos, cual documental de NatGeo. (La primera escena sexual entre Spyros y Marina es la escena más tierna y graciosa del festival.)

También es una película levistrausseana, porque todo el tiempo juega con la confusión entre naturaleza y cultura, entre estos humanos animalescos y el entorno industrial burgués que los cerca y también los define, como ese entramado uniforme de viviendas que limita y tranquiliza a Marina. Entonces se la pasan jugando en esos raros dormitorios y patios de un hotel semi abandonado, juegan a ser monos, patos, aves indeterminadas. Se agreden y se aman. Sí, los personajes son bastante extravagantes, pero aún así empatizables y contagian ese extrañamiento ante la naturaleza (o lo que sea) humana que justamente sólo podemos percibir con la objetivación que permite sentarnos en una sala a mirar a los otros.

Attenberg es una pelicula muy tierna y sordida, con videoclips super copados de canciones de Suicide y F. Hardy (e insertos en la historia, no como los videos de Tsai Ming Liang), con personajes queribles, con canchas de tenis, hoteles y hospitales siempre vacíos, con una poesía corporal medio dulce y medio salvaje, con un aire misterioso y perturbador como el que seguramente tenemos para los animales (porque la verdad es que somos medio deformes). Attenberg nos dice que ser humano está bueno, que lo disfrutemos, que nos deslumbremos ante nuestra monstruosa belleza, aunque para eso tengamos que desaprender un par de cosas y quizás volvernos un poquito monos.

Post Post: Todavía la pueden ver. La dan hoy a las 22.45 en el Atlas Santa Fe. Vayan, para mí cada plano vale la pena (basta Jotapé, terminó la reseña).

Link Relacionado: http://encerradosafuera.blogspot.com/2011/04/attenberg-de-athina-tsangan.html

¿Qué me llevó a creer que los noruegos podían ser divertidos? ¡¿QUÉ?! - Norwegian Ninja, de Thomas Cappelen Malling

Norwegian Ninja puede encuadrarse dentro de una categoría en la que ya podría meter varias películas baficeras (entre otras, los emboles de Jim Finn exhibidos en ediciones pasadas) que comparten un rasgo en común: en la sinopsis pintan genial, parecen combinar varias de mis cosas favoritas (humor absurdo + espíritu y arte seteados en la Guerra Fría) pero finalmente se descubren como una basura infumable.

La película, entonces, es un bodriazo gélido como el país del que proviene (risas grabadas). Es lo suficientemente poco seria para que no te enganche la acción, y lo suficientemente… aburrida para que no te divierta como comedia. A pesar de su breve metraje, Norwegian Ninja logra hacernos querer que termine más o menos a los cuarenta minutos de iniciada. No sólo lo dice juanupma, eh. Lo dice la calle, o al menos la sala 1 del Atlas Santa Fe, que luego de unas risitas iniciales (esas risitas de calentamiento) se sumió en el silencio más sepulcral durante el resto de la proyección. Además es del tipo de películas que te hacen quedar mal, porque invitás a tus amigos prometiéndoles que en el Bafici hay más que jóvenes desconcertados que buscan su identidad, asegurándoles que también hay “locuras re copadas”. Y tus amigos se duermen con justa razón a mitad de la pasada.

Creo que lo que suele ocurrir con algunas de estas producciones es que concentran toda su líbido cinematográfica en lo estético, en este caso en revitalizar el look retro vintage de la guerra fría, con sus videographs, sus tipografías, sus géneros, etc., sin prestarle mucha atención a qué van a hacer con eso. Entonces terminan siendo una especie de memorabilia ficcionada sin humor ni inteligencia ni gancho dramático ni nada de nada.

No obstante, si igual no me quieren hacer caso o si quieren ver una mera memorabilia (mm) tienen todavía dos funciones más para verla: El 16 a las 0.15 en el MALBA y el 17 a a la 1.15 en el Atlas Santa Fé.

Notre Poison Quotidien, de Marie Monique Robin

Después de disfrutar un industrialísimo mango con picante que me convidó una muchacha mexicana por guardarle el asiento, me dispuse a disfrutar Notre Poison Quotidien, de Marie Monique Robin (no joven, pero sí maravilla) y enarbolar la bandera de la soberanía alimentaria mientras tomaba coca cola para aflojar el efecto del picante.

El documental es apasionante sí, es muy informativo sí, es inquietante claro, es una demostración implacable sobre las mentiras en las que se asienta una de las industrias pilares del sistema capitalista (la de la alimentación), un trabajo detectivesco que hablando el propio lenguaje de los científicos los pone en ridículo forzándolos en muchos casos a aceptar que sí, que efectivamente la mayoría de los controles o regulaciones son un mito, que son algo que nos cuentan para tranquilizarnos pero que no existen verdaderamente. O sea, el documental en sí es impecable, es admirable, está muy bien organizado, tiene un didactismo eficaz, en el sentido de que no se retuerce explicándonos cosas ultracientíficas que olvidaremos a los 2 minutos sino que se concentra en demostrarnos por qué las regulaciones no regulan y el cáncer crece como plaga en nuestra bienamada sociedad occidental.

Pero más allá de esto, yo me quedé con algunas reflexiones desoladoras post película que debo expresar. Principalmente la sensación de que la película no sirve para nada. ¿Por qué? Porque por su difusión está destinada a un grupo reducidísimo de la población global. Y además está destinado a un grupo de personas… que si no sabían, al menos sospechaban que lo que comemos todos los días es veneno y que las corporaciones manejan a su antojo las regulaciones. Además, aún si la difusión del documental fuera masiva, ¿cambiaría algo? Yo sigo tomando aspartano vía Coca Cola. Es así. Coca Cola digo, es así. También sabemos que las guerras están mal, que son guiadas por intereses espurios y ahí están. También sabemos que una increíble porción de la población mundial muere de hambre o de enfermedades curables todos los años. La deuda externa todos sabemos que es ilegítima pero está ahí, nadie la discute. Sabemos que deberíamos reciclar, conocemos la contaminación, nos quejamos habitualmente de ella… Es decir, ¿es un problema de información solamente? ¿Qué hacemos con la información? Una vez que despojemos a los gobernantes y corporaciones de esos secretos… ¿qué hacemos con ellos? De alguna manera hemos aceptado vivir en esta sociedad y hemos delegado efectivamente nuestro poder de decidir cuánto y cómo queremos vivir en pos de seguir consumiendo con facilidad. Las razones de esto hay que buscarlas en la fascinante estructura del sistema capitalista postindustrial, pero este no es un post que dé para tanto, claro está.

En fin, es bastante ñoño todo esto y en general estoy muy en contra del tipo de comentarios “nada sirve” y “nada puede cambiar” porque son un justificativo para no hacer nada. Pero amigos, yo no puedo no serles sincero, el nihilismo se apoderó de mí tras esta película. Pero eso sí, sigo creyendo que mientras haya un 0,1% de posibilidades (y siempre lo va a haber) hay que hacer algo, y que las luchas por la información y ecológicas son los pilares de la lucha socialista en el siglo XXI. Es sólo que siempre hay que pensar más allá… no sólo en la denuncia, en el repudio y en la captura, hay que pensar en el, como dijera un pelado famoso, qué hacer con todo eso.

Flojón flojón - Silver Bullet de Joe Swanberg + Aardvark de Kitao Sakurai + Headshots de Lawrence Tooley

El horóscopo ya me había aconsejado seguir mis instintos y no lo quise oír. Pero mis instintos también hubieran fallado porque lo que me había propuesto este festival era ir, como en la gloriosa peli del joven que fue John Cusack, por something sure. Hoy me vine solo a curiosear y así me fue. Empecé con Silver Bullet de Joe Swanberg. Debo confensar mi imparcialidad; el llamado mumblercore me despierta los peores sentimientos y a pesar que la presencia en pantalla de David Foster Wallace me hizo ilusionar todo naufragó pronto. En un momento el actor que hace de un joven director (interpretado por el propio director) dice que el cine le produce fastidio en todas sus formas; verlo, hacerlo, etc. Se nota che y esa mezcla de falsa modestia, confesión y chiste no nos ahorra ni un poco nuestro propio fastidio. Antes se hacían películas por necesidad de expresión o por ganas de hacer dinero; hoy se hacen por un exceso de egresados de escuela de cine y de ociosos en general producto de la sociedad de bienestar. En fin...les avise...los peores sentimientos...
Seguí con Aardvark de Kitao Sakurai. Empezó bien esta historia de un ciego ex alcóholico que practica una variante Zen de Karate. Me lo decia mientras la veía, este tiene algo que contar no como el otro fastidiado del cine de al lado. Aparecían personajes curiosos y las escenas eran extrañas, oníricas. La primera parte de la historia como dice el catálogo. Después viene la segunda. La mala. En fin, es dificil sostener un relato. Lástima. Me había encariñado con el cieguito, el profesor de Jiu Jitsu y el detective de acento raro. En la última escena aparece el director. Flaco, dirigí!! Los chistes dejenselon a Hitchcock por favor.
Como no hay dos sin tres entré a Headshots de Lawrence Tooley. El director se prensentó en la sala y saludo con un Hola Pibes. De ahí todo cuesta abajo. No tengo ningún interes por la probremática de las fotógrafas de moda en crisis. Aunque sean de treinta y pico como yo, aunque vivan en Berlín. Dirán que es envidia, ma fangulo. A los quince me fui.

Miss Mundo

Aurora, de Cristi Puiu

Aurora es la última película de Cristi Puiu, el director rumano de La noche del Sr. Lazarescu. Está protagonizada por él mismo. Dura tres horas.
Si el interés no se perdió por alguno de esos elementos, les cuento que es una buena película, pero no excelente como dicen muchos críticos. Tampoco tiene una marcada división entre la primera y la segunda mitad, como dicen otros críticos (o los mismos, para el caso). La cámara lo sigue al protagonista mientras hace, desde las cosas más mundanas, hasta las más extraordinarias, si se quiere. Lo sigue con una rigurosidad impecable, hasta se podría decir que lo hace de un modo totalmente objetivo. Pero los ojos están puestos en él, raras veces se hace hincapié en las reacciones de los demás. Opta por mostrarnos el mundo que lo rodea, en la medida en que él decide interactuar (no vamos a discutir si eso es o no es interactuar) con el mismo. No abunda en explicaciones simplonas, se podría decir que no abunda en explicaciones y punto. Hay pequeños momentos de humor, de ese tipo de humor que alguien hace en una situación tensa, no el humor liviano ni de parodia autorreferencial; pensemos que el tono es solemne (a la ida un taxista me dijo: "ya no hay películas solemnes, como Terminator 2, esa es una película solemne"). Probablemente cueste identificarse con el personaje, pero ¿quién quiere identificarse hoy en el cine?
Si les gustó La noche del Sr. Lazarescu, vayan a verla, no porque tenga tantos elementos en común, sino para apoyar al director, ¿no?
Si les gustó Police, Adjective, y no tienen problemas con la narración lenta (como si los tuvo el hombre que se sentó al lado mío, que pasada una hora se durmió plácidamente), ni con la construcción de una historia mediante mostrar los ínfimos detalles de su desarrollo; vayan a verla, después me cuentan que les pareció.

Gustavo Mellado

The Ballad of Genesis and Lady Jaye, de Marie Losier

El cut up, la vieja técnica creativa usada por Burroughs y tantos más, es el credo que parece guíar la vida de Genesis P. Orridge, que con esa apariencia de vieja loca platinada es un músico de trayectoria lunga y respetable. Orridge lo remarca en una visita a su archivo, uno de esos archivos caseros con pilas de papeles y cajas de cartón llenas de materiales varios que ocupan tanto espacio que hasta se puede jugar a la escondida en el cuarto. Entre las montañas de recuerdos, Genesis muestra y cuenta momentos de su carrera como quién te muestra las fotos de sus vacaciones (pre Facebook claro, cuando los recuerdos tenían formato físico), y te deja en claro con quién estamos tratando, un pionero de la música industrial, alguien que editó muchos vinilos y sobre todo alguien que cree en las posibilidades transgresoras y provocadoras del arte. En los 15 minutos anteriores, Marie Losier nos adelantó con un montaje de videos caseros de los protagonistas en situaciones cotidianas (un cumpleaños de ella en un jardín rodeado de edificios o él en la cocina transformado en drag queen hablando de lo sexy que son las tareas de limpieza), que la pareja de la balada del título estaban lejos de ser John y Yoko y a años luz de Luisana y Maikel. ¿O alguien se imagina al Sr. Bublé poniéndose tetas para demostrar su amor por la Sra. Bublé? 
Marie Losier fue antes que nada parte de la historia, ella y su cámara de lente sucio estuvieron cerca de la pareja durante años registrando su intimidad. La textura hogareña de las imágenes vuelve aún  más poderosa a la historia del matrimonio que en vez de engendrar un hijo engendra un nuevo ser transformando sus cuerpos para ser cada vez más parecidos. Las voces en off más una mezcla de sonido sugerente y contundente junto a una selección de la música de Orridge (más que nada Psychic TV), invitan a buscar más de esas canciones tan Velvet tan underground que aquí ayudan a contar una  historia de amor tan extraordinaria como cyberpunk.

J. Pérez

A espada e a rosa de Joao Nicolau

No se como todavía no se inventaron las crónicas en colaboración. Es mucho trabajo ver una peli entera (a veces). Está empezó muy bien, se deslizó en una meseta y cuando apareció un cruce de caminos el director tomó justo el contrario al que podría salvarlo; eligió el de la boludez. Ahí nos fuimos (que bien me está haciendo la medicación!! Ya no tengo que terminar todo!). Tal vez otro cronista. empezando en ese punto haría otro comentario; que se anime! Lástima; había empezado de una manera hilarante a lo Raoul Ruiz, Oliveira, Iosselani (cúanto me costó acordarme como se escribe este nombre!!)y toda esa gente; desbarranco al realismo subielesco cuando el camino del costumbrismo simpático le hubiera dado tanto más rédicto. La idea era buena; gente común que deja todo para irse a navegar; decime, Por qué tienen que ser también piratas? Que otro la siga.

Santiago B.

Dos x Uno

A Simple Rhythm de Tess Girard y John´s Gone de John & Benny Safdie.

Una película puesta junta a la otra por mérito de sus duraciones; pero fíjate tú que si se nos antoja son dos caras de la misma moneda; ordén y caos; armonía del mundo/el mundo contra tí. En fin; todo tiene que ver con todo dijo Pancho Ibañez alguna vez. La primera es una versión Zen del universo; estámos conectados; está escrito en nuestras células; llevamos música dentro. Una especie de Cosmos pero introyectado. Imágenes poéticas e inspiradoras, entrevistados extraídos de The BIg Band Theory, un músico sereno que hace música en tiempo real con el ritmo del lenguaje (le vemos cara conocida y después nos enteramos que es un pibe de Broken Social Scene y Do Make Say Think; que lejos han quedado los estereotipos del rock gracias a Dios!!). Lo único discordante es la voz relatora de la directora que parece contradecir todo lo que dice; debe ser canadiense pero su acentó de Totally Blonde es una especie de dolor, you know. En otro momento otra Totally Blonde, que debe ser médica, dice que sentir el pulso de una persona que desaparece es algo ¨muy especial¨ como si hablara de un nuevo restaurant...en fin...Curiosidades de un distendido ejercicio de meditación.
Juan se fué es otro ejercicio de cámara en mano acerca de la incomunicación y las malas rachas. A un pibe de Brooklyn se le viene el mundo abajo; la famosa espiral negativa. Cruce entre Dogma y Beastie Boys. Culmina con una canción brillante titulada claro, I´m so depressed de un tal Abner Jay. Es lindo mirarlo desde afuera.

Dj malhumor.

En aquellos días la gravedad estaba por todas partes.

de Brent Green

En retrospectiva el título lo decía todo; no podía fallar; así y todo nos hemos clavado tantas veces. Hay muchos caminos para la experimentación; puede ser (un exceso) ejercicio de la razón, un viaje o tanteo, una búsqueda de un nuevo lenguaje para decir lo que se quiere decir, mostrar o develar. Este parece ser el caso de esta joya. Los hermanos Quay encuentran a Sparklehorse, a Casiotone for the painfully alone, al Periférico de Objetos, a Kelly Reichardt (la de Old Joy) en ácido y ya que estamos a Bonnie Prince Billy también. Cómo transformar en una historia brillante una línea: un hombre desesperado construye una casa para curar a su esposa enferma. La vamos a recordar por mucho tiempo.

Dj malhumor.

U.K.: Upside Down: The Creation Records Story, de Danny O'Connor y Separado de Dylan Goth/Gruff Rhys

Upside Down: The Creation Records Story, de Danny O'Connor y Separado de Dylan Goth/Gruff Rhys

Está película debería ser obligatoria en todos los colegios! Ja. De golpe tomamos conciencia que un solo sello, en el lapso de diez años descubrió y sacó a la luz a Jesus and Mary Chain; Teenage Fanclub, My Bloody Valentine, Primal Scream, Ride, The Boo Ridleys, SuperFurry Animals y los dos mejores discos de Oasis (los primeros claro). Vivimos tiempos, por muchos momentos, de una creatividad desatada, de puro juego y desfachatez. Todo tan rápido, tanto. En este momento está pasando otra vez. Otro día veremos el docu sobre Matador o Warp o MorrMusic o Subpop, Sarah, Labrador o Merge (todos tan clásicos ya) y diremos lo mismo. Tanta energía suelta, tanto humor y delirio. Podemos ver a todos los protagonistas hablando de manera tan sincera, tan directa, pensando en voz alta; maravilla. No puedo dejar de hacerme la pregunta de cómo es posible, todos juntos al mismo tiempo en el mismo lugar. Lo que no es verdad del todo. Un mapa nos lleva de Manchester a Glasgow, de Glasgow a Londres and back. Hubo una cabeza que vió el gran cuadro; que vio los hilos invisibles que se conectaban. Por supuesto que los adictos a estas bandas no necesitan la recomendación; pero es un momento que va mucho más allá; cultura pop sin más. Cultura bah. Entre los entrevistados está el cantante de los Super Furry Animals. Para mí era una de esas personas que encontrás aquí y allá y nunca se dió el momento en que pudiera prestarle atención; hasta que zas, lo encontrás en un ascensor y charlás cinco minutos y bastó; el tono de la voz, las palabras medidas y justas para saber que hay mucho más. Querés otra vez. Lo que fue perfecto porque en la mañana del sábado proyectaban Separado escrita y llevada adelante por el mismo. Este anarquista galés que viaja a la Patagonia para descubrir porque se vinieron aquellos otros. Un viaje encantador! Patagonia de Chatwin según Galeano y Daft Punk (increíble pero real). Se puede hacer tanto con tan poco cuando se tiene talento; o aunque más no sea la mirada fresca, cuando se presta atención a los detalles y se deja hablar a las personas. Como en el docu de Creation destaca la claridad y honestidad de las preguntas; en todas las direcciones; las que hacen los directores, las que se hacen los protagonistas. Hay muchos momentos hilarantes y otros de una poesía extraña. Como el Buenos Aires de Wong Kar Wai en Happy Together saca de lugar el mirarnos con otros ojos. El pibe tocando solo la guitarra en un hostal de San Telmo, mientras vos y yo hacíamos quién sabe que cosas.

dj malhumor

Attenberg de Athina Tsangan

El cerebro tiene maneras misteriosas de actuar. Mientras veía la película, en la primera media hora, pensando sí me iba, recordé el libro de Bruce Hornsby 31 canciones. La canción catorce corresponde al grupo Suicide del que creo jamás escuché nada. A mi entender una especie de Bauhaus de segunda línea. Hornsby describe una canción de nueve, diez o once minutos; repetitiva, terrible, cansador canto al sin sentido de la existencia. Creo recordar que Hornsby dice algo así que a pesar que el sin sentido nos rodea el prefiere el sentido y antes que atormentarse con diez minutos de música atonal y ruidosa prefiere una buena canción de Teenage Fanclub. Pensaba en eso mientras veía como la protagonista escupia por una ventana con su amiga o miraba en más de una oportunidad la nada misma. Después la película se suavizo, cobró sentido, apareció una historia que justificó la notable fotofrafía y las coreografías aquí y allá. Lo curioso fue que en una escena fundamental (jajajajaja) el chico y la chica hablan de su grupo favorito:¡Suicide! Pequeño milagro; la música del azar que suena. A partir de allí, con ese guiño metafísico cambió mi humor y el film; que finalizó con más Suicide ahora ya de mi agrado. Una película hecha y derecha que necesita tiempo.

Miss Mundo.

La vida sublime, de Daniel V.Villamediana

Esta es una buena película que corre el riesgo de ser inflada demasiado por la crítica. Tenemos que inventar un sello como el que traen los cds advirtiendo del contenido explícito de las letras; ¨Esta película puede ser arruinada por la crítica¨. Es una película ligera sobre temas profundos; como la palabra sublime del título. Un poco de burla a cierta solemnidad española a lo Marías o Unamuno. Tiene puntos en común con Llinás de Historias Extraordinarias; pertenece a ese género de docu ficción que se fascina por los personajes y las historias; por la diversidad del mundo. Hay que decir que logra solo por momentos lo que Llinás logra por tramos enteros. Distendida y fácil; algo alargada también.

Santiago B.

La vida útil, de Federico Veiroj

Por un momento me puso mal La vida útil. Esa cuestión de cómo dejar morir lo que amás. A todos nos pasó. Una bandita que ya no daba para más, un proyecto creativo que no terminaba de ser abandonado, una relación amorosa revivida artificialmente… Cosas muertas que uno insiste en que formen parte de su presente. Como el caballito de madera sobre el que canta Masliah en la película. Pero, ¿quién alguna vez no fue un Campanella intentando conservar todo tal como estaba aunque la realidad te gritara “¡Ya fue, man!”. No es verdad que a todo Campanella le llegue su Ricardo Darín como dice el saber popular (creo)… porque al final Darín nunca llega y su discurso conmovedor, para volver todo como estaba, tampoco. Y entonces te quedás sin nada, sin siquiera poder cagar a trompadas a Eduardo Blanco. Pero ya me fui por las ramas con la analogía, volvamos a La vida útil.

En La vida útil el caballito de madera es Cinemateca Uruguaya (así, sin artículo). Jorge, su administrador, procura mantenerla viva, criogenizándola. Pero todo en la cinemateca está viejo y oxidado. La gente, las películas, la tipografía de los carteles, los teléfonos. La vida de Jorge también está oxidada, viviendo con sus padres una existencia solitaria. Tanto Jorge como el director Martínez son parcos y parsimoniosos. Pero ojo, no es una parquedad bressoniana sino uruguaya. En Jorge hay mucho amor contenido y lo demuestra claramente cuando se pone a atornillar una butaca. También en Martínez, cuando intenta como puede desarrollar un monólogo radial sobre la formación del espectador.

En fin, sea Cinemateca, sea cierto cine o cierta manera de hacer, distribuir y exhibir cine…. algo de eso parece muerto hace rato. Todo lo bello tiene que morir y Jorge lo entiende. Primero llora un poco en un colectivo, pero después lo entiende.

Acá podía terminar todo. La Cinemateca muere, todos tristes, la vida es una mierda, todo se desvanece, chau. Sería el camino fácil de toda película independiente, pero La vida útil se escapa. Nada de eso ocurre y Jorge y la película se reinventan. Lo hermoso es que se reinventan al unísono, en un solo movimiento y lo hacen a partir de pedir prestadas… ¡formalidades del cine clásico! Jorge no se olvida de Cinemateca para formar una nueva vida adaptándose a los nuevos tiempos. Es cierto, cuando tiene que correr Jorge corre, pero lo va a hacer siempre a su modo y trayendo al presente todo lo que forma parte de su historia y de lo que ama; es decir trayendo a Cinemateca y viviendo sus aventuras, recitando sus parlamentos, al son de su música. Cinemateca no muere, sino que revive en Jorge y Jorge revive en Cinemateca. Pero ojo, siempre desde el presente y la invención, no desde la nostalgia campanellesca.

La vida útil es una grata sorpresa de la competencia internacional que nos muestra que el cine y la vida nunca mueren del todo. Una obra que reniega del pasado como tal para celebrar el presente. Y yo no sé si ustedes sabían pero el presente llegó… hace rato. ¿No lo ves, bo?

La muerte de Pinochet, de Bettina Perut e Ivan Osnovikoff

Con la agonía y muerte del general Pinochet, nuevamente las pantallas de la televisión chilena y mundial volvieron a embelesarse con las imágenes de un país dividido, como gusta decirse

en los noticieros, entre los que reivindican a Pinochet y los que lo repudian. El viejo superclásico izquierda – derecha vuelve revitalizado en sus formas y en sus gestos, pero convenientemente inoculado. En las celebraciones y lamentos televisados aparecen todo tipo de individuos que encarnan en ese momento y lugar la figura del pinochetista y la del antipinochetista. De un lado, el gordo barbudo socialista, del otro la vieja retrógrada, y así. Perut y Osvonikoff fueron a buscar esas figuras, esos personajes que aparecen efímeramente como extras, sin vida ni discurso propio en los reportes televisivos. Los fueron a buscar y con lo que encontraron volvieron a producir una película incómoda y divertida, dos cualidades que suman mucho a toda obra de cine político.

Los protagonistas de “La muerte de Pinochet” son muy patéticos. Sí, no vamos a hacernos los políticamente correctos con dos directores que claramente no lo son. Al final el gordo socialista es un tipo que se disfraza de viejito pascuero para reivindicar a Allende, la vieja retrógrada es una florista kitsch y paranoica, también tenemos un militar enamorado del general y un lumpen que es conducido a celebrar el fallecimiento solamente por el alcohol. Pero ojo, sería muy pobre si la película sólo quisiera burlarse de esta gente. La película es burlona, pero en todo caso se burla de todos nosotros, o al menos de nuestros cómodos esquemas donde las ideas políticas son monolitos racionales, objetivados y determinados de una vez y para siempre. Al enfrentarnos con este

grotesco grupo, la película se ríe de eso y nos muestra una realidad más deforme, compleja y por lo tanto irreductible. A menudo los noticieros recogen testimonios bajo el lema “lo que dice la calle”. La muerte de Pinochet sale a oír “qué dice la calle”, pero el resultado no es una mera división tranquilizadora entre declaraciones de izquierda y de derecha, sino que es un torbellino inexplicable de discursos que están mucho más atravesados por fantasías, paranoias, tradiciones, erotismos, circunstancias (des)afortunadas o devociones religiosas que por solemnes reflexiones ideológicas.

Tal como en El astuto mono Pinochet contra la moneda de los cerdos (en la que niños de diversas escuelas representaban el golpe del 73’ a partir de los relatos paternos, mediáticos y de sus propias locuras lúdicas), La muerte de Pinochet no viene a desmitificar discursos, contrastarlos con lo real o ponernos en alerta porque están perdiendo los buenos y ganando los malos. Ni porque la verdaderísima historia del mundo está siendo ocultada y están manipulando a la Pobre Inocencia de la Gente (PIG). Más bien viene a hincharnos las pelotas, a enfrentarnos con discursos inexplicables y contradictorios que se reinventan todos los días de maneras impensables y que, por suerte, son imposibles de explicar por nuestros estranguladores sistemas de representación. De alguna manera, la película viene a bajar a tierra los Grandes Debates de Chile y el mundo, a sacarlos a patadas de nuestro mundo de las ideas y a ponerlos a jugar en la monstruosa y embarrada cotidianeidad.

*La pueden ver:
8/4 a las 18.45
el 15/4 a las 21.00
el 17/4 a las 19.15.

Siempre en el Hoyts Abasto.

Un homme qui crie, de Mahamat-Saleh Haroun

Padre e hijo trabajan de pileteros en un hotel de primera en Chad, África. A la par de una guerra civil, llegan los recortes y mandan al padre a laburar de portero, quizás por eso no se preocupa tanto cuando los militares enrolan a su hijo a la fuerza. Una película dura, muy bien filmada, que -según el director- es una parábola sobre de la actual situación mundial, en la que los padres son los que directa o indirectamente destruyen lo que les toca a sus hijos, empezando por sus vidas. Seguramente habrá quien pueda escribir un poco más sobre esto. Baste decir que vale la pena ver la película que, de paso, cañazo, ganó el premio del jurado en el último Festival de Cannes.

She Monkeys, de Lisa Aschan

El secreto de Emma es no mostrar las emociones, así nadie la puede lastimar. El poder sobre el otro -sea animal o humano- es lo que importa. Hasta que entra en su órbita Cassandra, a quien conoce entrenando en una escuela de acrobacias ecuestres. pero el control y la fuerza no lo son todo, le dice alguien por ahí El juego de dominación que nace entre las dos adolescentes -un erótico tira y afloja- tiene destino oscuro: como el paisaje insiste en insistir, se acerca una tormenta, aunque quizás nunca estalle. Pero Emma tiene una hermana de unos seis años, que a la vez sirve de contrapunto, ya que su precoz despertar sexual -confuso, romántico- tiene nombre y filiación. Y así van las cosas. Seca, fría, atenta a los detalles, la dirección de Aschan resulta impecable. Sus personajes tienen pulsiones tan claras -u oscuras-, que les otorgan una necesaria tercera dimensión, transformando a She Monkeys en una película de una cuidada construcción, tanto que resulta llamativo que no forme parte de alguna de las competencias.

Les fleurs du mal, de David Dusa

Mrs Dalloway llega a París escapando de Irán, pero sin poder escapar del todo. Lo de Dalloway es un seudónimo. Lo mismo pasa con Gecko, un botones de hotel cuya única realidad es la de bailar espasmódicamente en plan parkour, cual lagartija. Se conocen, se gustan, etcétera.

Mrs Dalloway, la novela de Virginia Woolf, empieza con una simple oración, "La señora Dalloway dijo que ella misma compraría las flores" y esa compra sería toda una aventura. Por su lado, entre kilómetros de texto, en Las flores del mal de Charles Baudelaire se puede leer esto:

A mis costados, sin cesar, se agita el Demonio; flota alrededor mío como un aire impalpable; lo aspiro y siento que abrasa mis pulmones y los llena de un deseo eterno y culpable. / A veces toma (conoce mi gran amor por el Arte) la forma de la más seductora de las mujeres y, bajo especioso pretexto de aburrimiento, acostumbra mis labios a filtros infames. / Me conduce así lejos de la mirada de Dios, jadeante y rendido de fatiga, en medio de las llanuras del Hastío, profundas y desiertas, y lanza a mis ojos llenos de confusión ¡vestidos manchados, heridas abiertas y el parto sangriento de la Destrucción!

Les fleurs du mal, la película, se ubica ahí en el medio de todo eso, lo que resulta un poco demasiado: los caóticos videos de Irán que mira ella, los pasos de baile de él, los momentos de silencio, lo estilizado del tratamiento visual, las referencias literarias. Todo es demasiado. Sin embargo, hay algunos momentos brillantes, de singular paz y belleza, cuando Chico y Chica logran el mismo nivel de intimidad que emana la película. Ahí hay un par de grandes momentos. Eso, quizás sirva para diferenciarla de muchos proyectos parecidos.

Ivory Tower de Adam Traynor

Simpática; ocurrente; low fi; chiquita; especial para fans de la electrónica de comedia; ideal para la medianoche; ideal para jóvenes fumetas y por sobre el simpátiquisimo Chilly Gonzales la yapa de la labor estelar de Messi bajo el seudónimo de un tal Tiga.

Miss Mundo.

L.A. Zombie, de Bruce La Bruce

Hay que sacárselo del sistema: Bruce La Bruce es un ladri. A esta altura de las cosas, salir a shockear a los pocos burgueses que quedan, cuando la mayoría de su potencial público nació con la Ironía como tía (postiza, por supuesto), la verdad es que indigna. Hoy en día, salir a pasear a un "zombie" (que no, no lo es amigos, es sólo un ¿marciano? ¿la criatura del pantano lejos de su casa? ¿Nessie? ¿una aguda, ponzoñosa y despiadada alegoría, con mucho de crítica social? ¿qué es? ¿eh?) que resucita gente penetrándole las heridas o los orificios más a mano y bañándolos en semen sanador, es casi una tomada de pelo. No por la idea, ni por la concreción, sino por las pretensiones. Lejos de Super 8½, Hustler White o inclusive Otto; or Up With Dead People, acá la cosa parece ser una serie de malos videoclips, pretenciosos, con aires arty (el gran pecado de la película y quienes la defienden, hablar de lo "artístico" que puede haber detrás) y muy poca intención más allá de las obvias: seguir declarando que lo suyo es situarse en la línea exacta que separa al porno del arte. ¡Pará de robar, Bruce! Está perfecto que de la película se desprendan instalaciones en museos, que su existencia sea un "escupitajo en la cara del buen gusto" y todos los etcétera que quieran sumar. Pero al menos podría haber sido algo divertido, que no muera en el chiste, que no sea una situación tras otra, calcadas, en loop. Alguien se muere o lo matan, este mamotreto se acerca lo sana de manera penetrante y ooops! se le van los rasgos monstruosos, cambiando el maquillaje trucho por la trucha de Francois Sagat, la estrellita porno gay. Sí, hay alegoría y "discurso social", pero de la misma profundidad que la que puede tener un niño de tres años. Si, tres años.

LA Zombie es pretenciosa, lenta, repetitiva y aburrida. Y para colmo se regodea en el hecho de haber sido filmada al estilo guerrilla, sin presupuestos, permisos de filmación ni nada. No faltará el que al leer estas líneas se diga "este pibe no la entendió", pero oh, sí, lamento disentir: esta película es la Trash Humpers de esta edición. La diferencia está en que al menos a Korine se le entiende un poco más el "chiste". Aunque no mucho más...

Tirón de orejas por la reseña de catálogo que nombra caprichosamente a David Lynch, a Terminator (???) y habla de una "orgía de entretenimiento".

Otra vez será.

Me fui a ver a Flaming Lips en bicicleta. Nadie roba en recitales de flaming lips me dije, es todo paz y amor. El policia que me vió atarla a una reja no pensó lo mismo y me dijo que cuando él se vaya me la iban a chorear; ¨te lo digo por vos hacé lo que quieras¨. Me busqué entonces otro sitio y me mandé. La noche no podía ser mejor. Por atrás del escenario pasaba el tren; un flash. El pibe de los flaming no se cansó de decirlo; me encanta este tren. También repitió más de lo debido, c´mon, c´mon. Hoy me levanté todavía feliz de un final memorable; de escuchar lo que más quería, al pibe mirando el cielo pregúntandonos si nos damos cuenta; eso pagó mi entrada. Tengo también lucecitas de colores que dan vuelta alrededor de mi cabeza. Pero también los quisiera ver de vuelta para que dieran todo lo que no dieron. Porque fue algo poco. Eso fue. Hubo muchos tiempos muertos, no encontraron el futbol como dicen en los programas de deportes de la siesta. Los flaming para mí fueron siempre un grupo que me iba a volar la cabeza; algún día en el futuro. Aunque compré muchos de sus discos, aunque me bajé todo el resto; siempre tarea futura. Los escucho y lo seguiré haciendo; siempre esperando algo fantástico que ellos pueden dar, que tienen escondido en algún lugar, que muestran y esconden. Volvió a pasar en el concierto. Faltaba; no era cuestión de volumen. No lográbamos encendernos y es porque faltó chispa. Lo nuestro pudo haber sido hermoso.

Dj malhumor.

La vida es bella

!Qué gran concierto che! No puedo imaginar a nadie salir decepcionado de La Trastienda después del show de The National; al menos el lunes, y no me puedo imaginar que haya sido distinto el domingo. En lo personal The National es mi soundtrack de los últimos tres años. Ya los había visto (http://www.encerradosafuera.com.ar/musica/degira.htm), ya había escrito sobre ellos (http://www.encerradosafuera.com.ar/discos/discos29/the_national.php), ya los había escuchado y escuchado. Y pum! Como la primera vez. Al lado mío mi amiga todo lo contrario que jamás los había escuchado. Bastó el primer acorde para que me mirara agradecida por estar ahí. Todos nos dimos cuenta que se venía algo bueno; cocinado a fuego lento, con esmero y dedicación. Me dijo, está es la música que nos gusta; Tindersticks suavizado por Lloyd Cole. Treintañeros largos con aspecto de profesores de literatura algo desprolijos. Así también la mayoría del público. Música Indie de Orientación Adulta. Incluso cuando invitaron a dejar las mesas (se necesitó apenas un gesto para que pasara; la música lo exigía) parecían esos profesores que quieren romper el hielo y piden que acerquemos las sillas para hablar más entre amigos y pares. En ese tono el final a capella fue hermoso. No sé cuan famosos se habrán vuelto; el asunto es que son de perfil muy bajo; te caen bien, querés que canten otra. Y otra y otra más. Ahi tipos que vienen a cumplir, otros a renovar un vínculo o festejar un encuentro; que fue lo que sucedió.

Santiago B.

Imperdibles del BAFICI 2011

- Attenberg, de Athina Rachel Tsangari: Athina ya estuvo en el Bafici. Yorgos Lanthimos, su productor y cómplice ya estuvo por Mar del Plata con la imperdible Dogtooth, cercana a Attenberg en tono. La mejor forma de hablar de estas películas es decir que son imperdibles. Para qué más.
http://www.youtube.com/watch?v=O6tNdNlHPUw
- Hahaha, de Hong Sang-soo: el cine de esta particular y personalísimo director sigue siendo de lo más fresco que uno se puedo topar, pese a su insistencia por la repetición de tonos, intenciones y búsqueda temática. Comedia de construcción imbricada, con saltos en el tiempo e infaltable triángulo amoroso. Comedia de relaciones. Comedia que ya desde el título anuncia lo que a uno le va a provocar.
- Oki's Movie, de Hong Sang-soo: con su segunda película en un año prolífico, Hong la sigue rompiendo. Otro triángulo amoroso, cineastas y la posibilidad de que la reconstrucción de una historia sea la deconstrucción de la misma.
- Ivory Tower, de Adam Traynor: Peaches, Feist, Tiga y Chilly Gonzalez. De envidiable line-up a rabiosa comedia con karma de tapada. Tiga y Chilly son dos hermanos enfrentados por el ajedrez, uno extremadamente competitivo y el otro en una especie de estado zen, iluminado por la certeza de que el deporte y su tablero son lo que le dan cohesión a la existencia misma. El enfrentamiento se vuelve inevitable, sobre todo cuando está en juego el corazón de Peaches. Escrita, producida y musicalizada por Gonzales, sello de garantía, desparpajo de por medio. http://www.youtube.com/watch?v=5tER1q0IWxM
- Le quattro volte, de Michelangelo Frammartino: Los días transcurren lentamente en un vistoso pueblito italiano. Un pastor saca a sus animales a pastar y comienza un recorrido por el ciclo de la vida, con la transformación como eje ineludible. Nada se pierde. Con un hipnótico pulso, Frammartino demuestra que el laconismo tiene acción, con un contemplativo viaje que une animales, vegetales y seres humanos, siempre desde afuera, involucrándose con un ojo sagaz. Es probable que no haya en esta edición del Festival ninguna escena más brillante que la del perro jugueteando en medio de una procesión. Suena cursi, a lugar común, a sacárselo de encima, pero realmente uno no puede evitar pensar de qué forma utilizar la palabra “poesía” al referirse a esta película.
- Essential Killing, de Jerzy Skolimowski: un talibán capturado, torturado y fugado. Bosque y estepa nevada. Desesperación y la paranoica certeza de que están ahí. Skolimowski –un director de esos que siempre supieron qué, cómo y cuándo filmar- deslumbra con una película de esas que te dejan con ganas de más. No por nada ganó la competencia internacional del Festival de Mar del Plata.
- Meek's Cutoff, de Kelly Reichardt: una película más de la genial directora de Old Joy, esta vez con un western venido a menos, sin intención de género cinematográfico. Colonos que buscan agua, un tal Meek que más que explorador es un embaucador y la certeza de que uno está viendo a toda una autora en acción.
- Poetry, de Lee Chang-dong: una mujer mayor trabaja cuidando a un anciano para mantener a su nieto, más interesado en dejarse llevar por sus amigotes y hacer travesuras al borde de ser consideradas delitos. La única escapatoria de la mujer será intentar escribir una poesía. Ni más, ni menos. Sí, está entre las imperdibles
- Road to Nowhere, de Monte Hellman: un director de cine, un guión basado en una historia real con final trágico y una actriz misteriosa. Con estos básicos lineamientos, Hellman se las arregla para que nada sea parecido a lo uno haya visto antes. Si bien hubo quien la denominó como un pulp arthouse, lo cierto es que la vuelta al ruedo del director de Two-Lane Blacktop es a la vez una puesta al día de toda una forma de hacer –y comprender al- cine, una arenga en contra de las películas predecibles y una razonable oportunidad para comprobar por qué Monty es reverenciado como todo un autor.
- Tournée, de Mathieu Amalric: nuestro franchute favorito delante y detrás de cámara, en una película oscura, gris, como una nube lluviosa que persigue al espectador. O, más bien, una película radiante, contagiosa, vital. O la intersección exacta. Un grupo de muchachas dedicadas al burlesque y un productor empeñado en triunfar en vez de resignarse ante su clara incapacidad de funcionar. O no. Pufff…
http://www.youtube.com/watch?v=WfMzSuseyDw
- Mammuth, de Benoît Delépine y Gustave Kervern: Depardieu en plan motoquero a punto de jubilarse. Una comedia distinta de a de veras. Obligatoria.
Y dos cortos que hay que ver sí o sí: Get Out of the Car, de Thom Andersen y John's Gone, de Josh Safdie y Benny Safdie.

Más info en la Guía Encerrados Afuera Para Pasarla Bomba en el Bafici™

Trailer de Ivory Tower:

Panic attack

El esposo de la hermana de mi amiga es buzo. En este momento está en algún lugar del estrecho de Magallanes en una compartimento presurizado en el casco de un barco. Para no despresurizar el compartimento desde donde bajan al océano cada mañana como otro va a la oficina tiene que quedarse sin salir ni ver el sol y ver televisión por sola diversión a través de un vidrio en une espacio de de tres por cuatro con otros dos tíos por dos semanas. Una vez vió un tiburón durmiendo y otra vez un pinguino emperador se subió con ellos por el conducto. Mientras tanto, en ciudad gótica, dj malhumor se dedica a ver The Office (USA). Siento la misma claustrofobia. Igual me gusta.

Dj malhumor

Los cien barrios porteños.

Pasaron bastantes cosas estas semanas. Anduve de aquí para allá; dormí en distintas casas; desperté en diferentes habitaciones; tuve con Carolina conversaciones y circunstancias insospechadas. Deborah y Ángel se fueron de vacaciones a La Paloma y me dejaron su casa en Parque Chas. Una hermosa casa en el barrio de las calles circulares. Toda la construcción en L da a un patio muy verde. Las enredaderas trepan las paredes altas como de tres pisos. En el centro hay plantado un limonero, un ciruelo y una dama de noche. El mejor momento del día es la noche; abro las ventanas para que corra una brisa, me siento en el living y desde allí disfruto el patio iluminado como si fuera un set; como en las tapas de los discos de Echo & the bunnymen; en especial Cocodriles donde predominaban los colores sepia y anaranjado. Me tomo una copa de vino y miro Weeds o la última temporada de Mad Men o leo alguno de los libros de la biblioteca. El perfume de la dama de noche lo inunda todo; es embriagante; como el tilo de Leloir. Empecé y dejé dos libros – de los últimos – de Paul Auster. Uno lo dejé después de 30 páginas; otro ni pude empezarlo. Está relatado por un perro. ¿Qué le pasó a Paul?
Desde la casa salgo para lados por caminos que nunca recorrí. O que recorrí hace tanto tiempo que ya olvidé. Apelo a otra memoria; la memoria de los músculos. Me pasó una vez en Madrid que fue el primer lugar de Europa que pisé como la mayoría de nosotros. Estuve alojado en una pensión por varios días. Caminé y caminé por las avenidas y calles y sin embargo cuando volví años después no podía recordar dónde había estado. Es verdad que Madrid y España eran distintas. España había dejado de ser un país latino para ser un miembro de la comunidad europea; ahora hace el camino de vuelta. Esa primera vez en una parada de colectivo charlando con un andaluz me decía, ¨ustedes argentinos están mucho más cerca de España que cualquier holandés o alemán o el que sea¨. Ya no más. La cosa es que no fue hasta que volví a caminar por la Gran Vía haciendo por casualidad exactamente el mismo recorrido de aquella vez que no recordé donde estaba aquella pensión. La memoria de los pies. Parece magia.

dj malhumor

Fin de semana en las Sierras

Mi prima dijo que ya había hablado con sus amigas y la familia del novio para que se cuiden la cartera. Dijo también que mi primo de antes ya no estaba más; que este era uno nuevo y que podía robarse cosas para comprarse algunas drogas. Mi primo me dijo después que su hermana se había convertido en una perra y que ella no necesitaba robarles a los parientes para drogas porque trabajaba en una farmacia. Está gordo como una estrella de rock en malos años, pero es el mismo de siempre; el mismo espanta suegras y asusta viejas; si tuviera dinero sería un excéntrico, como se lo gastó todo es un problema. Hicimos una caminata el día siguiente por los caminos de tierra entre las estancias y los campos de soja; en el fondo las sierras y el cielo color magenta; el paisaje se había vuelto dramático por una tormenta que avanzaba. Se veía dos líneas de montañas; las sierras chicas primeras, las sierras grandes en el background; como estábamos en una lomada el terreno se ondulaba hacia abajo y las sierras se veían muy altas. En el atardecer los rayos se filtraron entre las nubes oscuras y dieron un efecto ¨dios baja a traernos la paz¨. No en esta familia. Yo no duré mucho y a las dos de la mañana estaba tirado bajo un árbol; mi padre caminaba por la oscuridad para no caerse al piso; todo el mundo bailaba a lo lejos; mi primo deambulaba y hablaba con todo el que se le cruzaba. Mi prima quería para su hija el mejor casamiento de todos; la novia una familia mejor. Una estancia con iglesia privada y todos los chiches; violines; sushi y pétalos de rosas. Pero a 1 km en ese pueblo de diez mil habitantes solamente se casaba uno con todavía más banca; el novio llegó en helicóptero y hubo fuegos artificiales que vimos en esta otra fiesta. ¿Irónico, no? Igual estuvo bien; comí todo lo que pude, tomé todo lo que me dio el hígado y después me desplomé. De vuelta al pueblo cruzamos un puente de piedra sobre el río; chillaban los pájaros nocturnos; la oscuridad era total y solo se veía lo que iluminaban los faros. Antes de dormirme me vi el final de la última temporada de Weeds; terrible. Me desperté todavía con la fresca y para mostrar que yo en cambio estoy sanito me fui corriendo a la casa en las sierras; siete kilómetros, cuarenta minutos; todavía tengo mucho por mejorar. Todos dormían menos el chongo de mi prima que ya había prendido el fuego. Se parece a Sandro. El disco de fin de semana fue Hola Señor Viento de Page France, mi antídoto personal. Cuando volví a mi casa un patovica no me dejaba pasar;la puerta de entrada daba al vip de los festejos de carnaval. Tocan los mismos que sonaban cuando yo iba a la secundaria; lo que fue muuuy pero muuy atrás. El patovica con una remera que decía algo de festejar y no se que mierda me quiso trompear. Mientras me dormía escuché a Los Pericos tocando el himno. Debe ser todavía el efecto de las drogas; no puede ser verdad.

Dj malhumor.

El sobrino de dj malhumor

Me fui al cine con mi sobrino; es la única manera en qué me de igual qué estemos viendo. Así y todo me quise hacer el tío cool, mostrarle como eran las cosas antes cuando ibas a ver la última de un gran director; en este caso dos; los hermanos Cohen. Les expliqué incluso que mucho antes había una vez un género llamado Western. En el trayecto hablamos de River y la última película de Harry Potter de la que no vi ninguna. Me explicó que había un mago terrible que había matado a los padres de Harry cuando él era un bebé. En el fondo es un viaje de iniciación impulsado por la venganza; lleno de peligros, personajes alucinatorios y la transformación del héroe. El género de todos los géneros. Que fue lo que me dijo mi sobrino cuando salimos del cine; que Temple de Acero es como la de Harry Potter pero con caballos, indios, otra clase de forajidos y tipos dsifrazados con piel de osos. Nos encanta ir juntos al cine.

Dj malhumor.

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