H/story - La chica del sur

Con La chica del sur tuve no pocas contradicciones durante la proyección. Venía bastante molesto por una nueva aparición del Espectro de la Subjetivización Extrema de lo Público en Sibila y había cosas en La chica... que me presagiaban que este fantasmita iba a estar presente nuevamente. Pero así como la película misma se va dando cuenta de a poco que en realidad es otra película que la que creía ser, yo también fui cambiando de opinión durante la proyección.

La primera media hora es la más simple, pero no deja de ser buenísima. Sucesión de recuerdos capturados en VHS de un festival de jóvenes socialistas en Corea del Norte 89. El director, José Luis García, había viajado allí, un poco de casualidad, y terminó registrando y conservando durante más de 20 años, imágenes interesantísimas sobre lo que él mismo describe como “el baile en la cubierta del Titanic”. Miles de jóvenes idealistas de todo el mundo aferrados a una esperanza y respaldando al mismo tiempo a una estructura putrefacta, agonizante, autoritaria y asesina. En ese torbellino aparece una estudiante surcoreana, Su-kyong, que burla los controles de seguridad y se erige como símbolo de paz y de una soñada reunificación entre las dos Coreas. Enseguida se convierte en una estrella y en una obsesión para el director.

La segunda parte es la crónica de una decepción, de una cierta incomodidad y frustración individual y social. El director sale a la caza del símbolo y le pasa lo peor que le podía haber pasado: lo encuentra. Se juntan en Seúl y pasan varias semanas juntos. Pero lejos de las grandes historias, lejos del testimonio de una protagonista de la Historia, lo que tenemos es una sucesión de cenas, karaokes, borracheras y depresión. La película parece volverse una ficción de Hong Sang Soo sin que José Luis García pueda hacer nada al respecto. La historia personal de Su-kyong se fagocita al Documental de Temas Serios, lo mastica y lo escupe. Su-kyong, el símbolo de la reunificación, es ahora una mujer abatida, que perdió un hijo, que buscó refugio en un templo budista, que se define “apolítica” y que no tiene ganas de hablar de nada. Tal como declara “sólo los acepté porque me parecía mal no hacerlo viniendo de tan lejos. Ya les di de comer, ¿qué más quieren? váyanse”.  El viaje a Seúl es una desilusión. Pero hay revancha. Su-kyong emprende un misterioso viaje a Buenos Aires y se vuelven a encontrar. José Luis intenta reflotar su documental: el que habla de las Coreas, de las utopías, del socialismo, de la paz. En uno de los momentos más hermosos de este festival, Su-kyong le pregunta “¿Qué tipo de entrevista vamos a hacer? ¿Formal?” José Luis responde de todas las maneras posibles en un nanosegundo “Sí, no, más o menos...”. La batalla de las películas dentro de la película persiste. Ante la primera pregunta seria, Su-kyong se enoja porque la pregunta le parece muy estúpida. Es uno de los momentos más incómodos y geniales de este festival. Pocas veces se ve a un director tan abatido y golpeado en cámara. Su película está derrotada, no existe más, fracasó. La que perseguía slogans, símbolos, historias, reflexiones sesudas es absorbida por esta otra, dura, áspera, contradictoria, fatigada. La chica del sur (la película) logra en el mismo instante que sufre su peor cacheteada su tiro ganador. Se transforma al mismo tiempo en reflexión y comentario político; en reflexión sobre los recuerdos, sobre las expectativas, sobre cómo avanzar pisando un pasado que no existe más, ni para ella, ni para la película, ni posiblemente para el mundo. Y mientras José Luis intenta digerir su decepción, su imagen idealizada e idolatrada, Su-kyong se embarca hacia Ushuaia, como paso previo hacia la Antártida, a lidiar con otro pasado, más personal., pero que también implica la superación de una muerte.

La chica del sur es una superposición de películas aparentemente contrapuestas y peleadas entre sí pero que se terminan fusionando en una sola, en una gran síntesis cinematográfica sobre nuestra relación con el pasado y la derrota de las ilusiones individuales y colectivas.

¿Nunca te miró una vaca de frente? - Bestiaire

Es raro lo que me pasó con Bestiaire (Denis Côté, 2011). Antes de empezar a verla esperaba desilusionarme con la película. La vi en un monitor de computadora, donde la percepción real de cualquier película se ve reducida. Poco después, en un acto de justicia cinematográfico, volví a verla como corresponde, es decir en una sala. La sorpresa fue mayor. Bestiarie es una pequeña gran película.

En verdad es injusto referirse a ciertas películas como “pequeñas”, de ese tipo de obras está armada la historia del cine, después de todo.

Denis Côté es uno de esos nombres que existen, y que generan una obra, que le debe casi todo a los festivales de cine. Es de alguna manera (y sin usar el término de forma despectiva) un director “festivalero”. No es extraño que todas sus películas hayan pasado por el BAFICI. Su obra ya consta de seis largometrajes, y sería difícil tratar de establecer algunas constantes o marcas autorales definidas.

En sus últimos films, Carcasses (2009) y Curling (2010) la ficción se juntaba con un registro documental. Con Bestiaire realiza su primer largometraje duro y puro, y extrañamente opta por una forma que ya parece acercarse a su agotamiento: el documental de observación (u observacional, ya me corregirá la policía del documental).

La facilidad que ofrecen los formatos digitales, la pereza de los realizadores, lo económico que suelen resultar, hacen que este tipo de documentales últimamente sea una de las formas más utilizadas.

Lo que antes era considerado como una manera de establecer una mirada rigurosa, ahora se ha transformado en ¿un gesto de pereza? por parte de directores que se refugian en un supuesto respeto por el tema que sea que estén tratando.

Por cada película de Frederick Wiseman, por nombrar un ejemplo extremo, existen decenas de títulos que nada relevante tienen para ofrecer.

Y en este estilo que parece extinguirse Côté realiza su primer documental.

Bestiaire, a priori, parece uno de esos productos de los que hablaba antes. Y no se transforma en ninguna novedad en particular, pero sí en uno de los mejores y más logrados ejemplos de este tipo de documental.

Bestiaire es el registro de la vida diaria de un zoológico en Québec, sólo eso, pero a medida de que la película avanza vemos que, aún sin alejarse del estilo, ni forzarlo o buscar algún tipo de recurso externo o ingenioso, logra hacer interesante cada plano que nos muestra.

No sólo debido a los encuadres (cada uno y casi todos, de una belleza extraordinaria que no devienen en una serie de lindas imágenes, porque la unidad estilística de la película es lo que la termina transformándola en algo tan hipnótico, que uno no puede, ni quiere dejar de mirar) sino también a la duración de cada plano. Como si el director tuviera el secreto de saber cómo y hasta cuando sostener la mirada.

Algo simple de decir pero difícil de realizar.

En la letra de la canción que da nombre a este texto, Miguel Abuelo escribió:

Esta vaca me analiza

ella profundiza y yo me voy

No hay vacas en Bestiaire, pero sí algún familiar cercano. Tampoco es muy seguro que nos analicen. Lo que es seguro, es que Denis Côté profundiza y yo me voy.

Hasta la próxima.

M.A.

Be My Baby I Love You - La presentación de Tabu

Anoche, nuestro cronista twittero acudió a una función de la película más esperada por el mundo cinéfilo (y no tanto) de esta edición del BAFICI. La maravillosa TABU del portugués Miguel Gomes. No solo una gran película, sino el verdadero antídoto ante cosas como El Artista (2011) y tanta nostalgia boba por los tiempos pasados. Y no solo los del cine. Hubo gente malintencionada que llego a decir que el festival es TABU y otras 448 películas. Allá ellos. Terminada la función, hubo que esperar unos pocos minutos a Gomes, quien dijo que lo sacaron de una fiesta para estar ahí, así que, era mejor que le hagan preguntas. Lo que empezó tibiamente, como suele suceder, se transformó después en un interesante dialogo con el muy locuaz, humilde y amable Gomes. Los rápidos dedos de nuestro cronista llegaron a tipear live desde la sala 9 del complejo Hoyts, los siguientes comentarios del director, que aparecen en cursiva (en algunos casos creímos conveniente agregar algún comentario extra u observación), allá vamos:

- A medida que pasaba el tiempo me di cuenta que estaba haciendo una película sobre la memoria y el tiempo. (Gomes aclaró que no es tan inteligente como para darse cuenta de algo así previamente y que esta idea surgió a medida que iba viendo el material).

- La ficción de la segunda parte es como un homenaje a los personajes de la primera parte.

- El cine no necesita ser homenajeado. Lo mejor para homenajear al cine es ver las salas llenas.

- EL ARTISTA intenta reproducir algo que hoy ya no es posible. Se trata de recuperar algo de esa inocencia de ver cine. Intento trabajar eso. (La mención al artista fue hecha por un espectador. Gomes aclaró, como si hiciera falta, que lo suyo es otra cosa).

- Pregunta Beatriz Sarlo y compara la voz en off de la película con los folletines para mujeres de los años 50. (Beatriz Sarlo estaba en la sala y lo suyo fue un comentario, no una pregunta).

- Recuperar algo del cine mudo pero también de una mitología creada por el cine de USA: Tarzan, Mogambo, Hatari.

- Literatura, cine y un cocodrilo, como el animal que lo ve todo. Que parece venir de un tiempo anterior, como si recordaran todo.

- Los cocodrilos se acuerdan de todo. Amores rotos, imposibles, como si fueran la memoria del mundo.

- A veces no había plata para hacer lo que habíamos escrito en el guión y ahí improvisábamos. Sobre todo en las escenas de Mozambique. (En los créditos figura algo así como un Comité creativo, no recordamos exactamente si es esta la definición, pero son una parte del equipo de Gomes con la cual se reunía después de filmar lo correspondiente al guión y, al final del día, crear nuevas escenas).

- El blanco y negro es melancólico, representa la melancolía de la película.

Y se fue Gomes. Lo único malo de TABU es que en un momento se termina y uno tiene que volver a casa. Y bueno, a casa a escuchar a los Ramones, a las Ronettes y a Les Surfs…

Gomes, we love you, be our baby.

Marcelo Alderete

Tabú, de Miguel Gomes - Tabuena!

Aurora llora, desconsoladamente, como las divas solían hacerlo. Sentada en una silla, con la certeza del dolor atravesando toda su existencia y su extensión, las lágrimas le dan vida a un blanquinegro melodrama que asesta los sentidos. De golpe, la música de fondo -¡a descubrirla!-se justifica con un primer plano de un baterista llorando a la par de esa Aurora que es pasado y certeza de un futuro aún más contrastado.
Tabú es la nueva, resplandeciente obra de Miguel Gomes, el de Aquel querido mes de agosto, acá en modo larger than life y, a la vez -si es posible- tan mínimo como un susurro a oscuras. Tabú comienza con la historia de tres mujeres mayores, Pilar, Aurora y Santa, su mucama / asistenta. Aurora, fóbica, ludópata, le tiene miedo a Santa, quizás por su accionar del pasado, el cual será desplagado en las siguientes dos terceras partes del film. Gomes homenajea la Tabu de Murnau no sólo dividiendo su película en dos partes (Paraíso / Paraíso perdido, en el original, invertido en la película del portugués), sino remitiéndose desde la concepción visual al expresionismo de su adorado Friedrich Wilhelm.
Gomes trabaja el presente con un decidido clasicismo formal, con un montaje basado en el raccord y un cuidado quirúrgico, post vivisección, del melodrama à la Douglas Sirk, condimentado con un leve salpicré noir. Esas mujeres viven un presente estático, concreto, trágico, si se quiere. En la segunda parte, todo lo anteriormente construido estalla en mil pedazos para darle lugar a una apasionante serie de viñetas en las que todo vibra. Al trágico presente estático de la primera mitad, se le contrapone un pasado caprichosamente anárquico, lleno de canciones, aventura, bonvivantismo, colonialismo y un sinfín de elementos que vale la pena descubrir.
Pese a tener algunos momentos más lentos que otros, Tabú es un derroche de excelentes ideas, llena de inteligentes y efectivos recursos, que dan fe del infinito e insondable alcance del lenguaje cinematográfico. A riesgo y sabiendas de que estas palabras sean muy cursis, hay varios momentos -como el que abre esta reseña- en los que Tabú explicita a través de táctiles relieves, penetrantes aromas, estridentes sonidos e impactantes imágenes la concreta y poderosa idea de lo que es el cine. Y eso, amigos, amigas, da gusto. Estamos frente a la clase de película que te sigue días después de haberla visto, lo que marca no sólo su calidad, sino su inherente condición de Gran Obra Cinematográfica (GOC, para los amigos).
Hay dos oportunidades más de verla en en el Bafici, con Gomes, jurado de esta 14º edición, in situ: hoy a las 22:30hs y el sábado a las 14:15hs. Después se podrá ver en salas, ya que está anunciado su estreno. Eso sí, recomendamos verla en estas dos fechas: estar presentes con Gomes en pleno ejercicio de su portuñol le suma puntos a la experiencia..

¡Programadores del mundo, uníos!

En el día de ayer se realizó, dentro del marco del BAFICI, como se suele decir, una mesa con el siguiente y explicativo título:

FESTIVALES INTERNACIONALES DE CINE: CRITERIOS DE SELECCIÓN Y PROGRAMACIÓN

Nuestro intrépido cronista, armado solamente con un BlackBerry y sus ágiles dedos, nos contó casi todo a través de Twitter. El encargado de coordinar la mesa fue el crítico Leonardo D’Esposito y la cantidad de programadores, una oferta increíble en calidad y variedad (y en variedad de calidades), terminó atentado con el desarrollo de la charla. Al ser tantos los participantes, hemos dejado de lado algunas de las conversaciones que se mantuvieron durante el evento con otros tuiteros y tópicos tales como la vestimenta de los programadores (saco blanco vs. camisa leñadora) y algunos temas menos interesantes. Todo esto, claro, para facilitar la lectura.

Los participantes fueron: Hans Hurch (Viennale), Roger Alan Koza (Hamburgo / FICUNAM), Raúl Camargo (Valdivia), Rebecca De Pas (FiDMarseille), Pieter Keereman (Cinema novo Bélgica), Jannie Langbroek (Amsterdam Intl. Doc.), Carlos Nuñez (SANFIC), Luis Ospina (Cali), Mark Peranson (Locarno), Jean-Pierre Rehm (FiDMarseille), Diana Sánchez (Toronto) y Gerwin Tamsma (IDFA).

El resto, tal cual sucedió, o más o menos:

- Por ahora nada, solo números y especialización de cada festival. #programadores

- Ahora habla Diana Sanchez de Toronto FF. Dice que su festival es el mejor lugar para vender películas.

- Ahora Hans Hurch. Dice que no tienen mercado, ni competición pq hay mucho de eso en el mundo. Ni premieres, pq eso es para la prensa. Groso.

- Lo que dijo Hans Hurch es que no le interesan particularmente las premieres mundiales por que eso es para la prensa. #programadores

- Gerwin Tamsma de Rotterdam dice que ojalá todos puedan ir a su festival.

- Hola Gerwin, acá Marcelo de Mar del Plata! #programadores

- Luis Ospina habla del tema de festivales cancelados por decisiones políticas. #programadores

- Ahora Raúl Camargo, habla de los festivales como lugares de resistencias. Embajadas del cine en el mundo, dice. Muy bueno. #programadores

- Roger Koza habla de los límites a la hora de programar y cómo forzarlos, en su trabajo en Hamburgo FF.

- Roger también dice que el FICUNAM es uno de los hijos del BAFICI. #programadores

- Peranson dice q Locarno tiene una comp de cortos, pero q el no tiene nada q ver con esa sección y se salva de irse con sobrepeso de equipaje

- JP.Rehm dice q en la comp del FidMarseille, no hay distinciones, q una vez hubo un corto de 11 minutos, con un largo de 9 hs #programadores

- Primer pregunta del público y, adivinen,es sobre Tierra de los padres. #programadores

- No siempre programo películas que me gustan, dice Diana Sanchez, de Toronto y habla de compromisos con los estudios. #programadores

- Diana Sanchez habla de la sección en donde estuvo programada TDLP. Pero no agrega nada más. #programadores

- El gusto es lo primero que uno pone en juego, dice Roger Koza. #programadores

- Koza dice que TDLP es una película importante, política y formalmente. Y q el no puede responder por el BAFICI. #programadores

- Dijo Koza q el no es de enfrentar, pq hubiera sido una buena oportunidad para discutir. Y q respeta la decisión de los programadores BAFICI

- Sobre la estandarización d las películas. Hurch le pega al Hubert Bals, hable de un sello de todas las pelis q salen de ahí #programadores

- Rehm dice que en el Louvre tampoco todos los cuadros son interesantes. Pero hay algo q une a todas esas obras. Y eso pasa en los festivales.

- H.Hurch, usa cierto tipo de cine austriaco para hablar de la estandarización y da la película Michael como ejemplo (malo).

- Sobre la ficción y los docs. A veces los directores se sorprenden de la sección donde ubicamos sus peliculas, dice H.Hurch. #programadores

- Preguntan sobre límites éticos y estéticos a la hora de programar. #programadores

- El gusto es para la cocina y la comida, dijo J.P.Rehm. #programadores

- Yo no divido entre lo ético y estético. La forma es un conjunto. J.P.Rehm #programadores

- La separación de géneros es más para los videoclubes que para los festivales, dice un inspirado Raúl Camargo. #programadores

- No soy un animal como para andar oliendo las películas como si fueran comida, dice HH. Hurch vs. Rehm. #programadores

- La vida es muy corta como para andar repitiendo películas malas, dijo Ospina. #programadores

- Antes de ser programador, nunca había visto tantas películas malas, dice Hans Hurch. #programadores

- Y terminó. Los jóvenes realizadores se acercan a entregar sus películas a los #programadores y listo.

- Gracias por seguirnos. #programadores del mundo en el #BAFICI

(La foto que acompaña este texto, obviamente, fue sacada con un BlackBerry –no instagram here- y, como buena película del BAFICI, su inmediatez justifica su baja calidad. O al menos eso creemos…)

Política de autor - Pater

Hay una particularidad en la historia de Alain Cavalier (mejor dicho, algo que a mi siempre me llamo la atención), y es la de ser un director que, a pesar de tener casi la misma que Godard y Truffaut, no perteneció al grupo de los Cahiers du cinema ni al de la Nouvelle Vague. Obviamente, no fue el único caso. Alguna vez habrá que revisar esos nombres y ver que fue de esas obras. Me pregunto: ¿cómo habrán sido aquellos años del joven Alain Cavalier, y de otros como él, siendo testigos de sus contemporáneos nuevaoleros?

La obra de Cavalier, no vamos a hacer aquí un recuento de una carrera bastante extensa y con varios grandes momentos, cambia radicalmente cuando realiza el documental Vies (2000) con una pequeña cámara digital. A partir de este momento, sin presupuestos y siempre en formatos digitales –y no de los más sofisticados-, su obra se transforma en una especie de diario íntimo, en donde lo que se cuenta siempre está relacionado con su vida y sus historias e intereses personales. Apuntes, notas y recuerdos personales sacados de pequeños cuadernitos negros en donde Cavalier parece llevar nota de toda su vida, como se puede ver en Irène (2009). Llegando a veces a un grado de intimidad tan grande en donde no estamos seguros de querer ver lo que Cavalier nos quiere mostrar. La intimidad, si, pero a veces, segundos antes de transformarse en exhibicionismo. Aunque quizás esta apuesta sea lo que hace grande a esas pequeñas y conmovedoras películas.

Pater (2011), de alguna manera, da un salto más allá. Aquí se trata de un documental sobre una ficción (por ahí dicen que esto ocurre con todas las películas). Alain Cavalier y sus amigos (el actor Vincent Lindon más algunos ¿actores? ignotos) juegan a ser personas poderosas, en una extraña mezcla de ficción, realidad y juego lúdico. El problema está en que Cavalier y su grupo, sí son personas poderosas en la realidad. Digamos, poderosas en al ámbito al cual pertenecen. A Cavalier, sin ser uno de los nombres más conocidos de la historia del cine francés, su carrera le asegura un lugar en el panteón de autores franceses. Y a los franceses, como a todo el mundo, les gusta crear próceres. El espaldarazo que resultó seleccionar una película tan atípica como Pater en la competencia oficial del último festival de Cannes, indica que ese es el camino por el que está transitando su figura. Con Thierry Frémaux operando desde las (no tan) sombras. No sería extraño que su próxima película sea una ficción con todas las de la ley, esto es, actores y esas cosas. Y que su presentación sea, claro, en el festival de Cannes. Aunque en verdad se trate de puras especulaciones, claro. Por su lado, Vincent Lindon es un actor prestigioso que hace todo tipo de películas. Algunas buenas, otras malas y así. Ustedes saben, un actor famoso. Un actor. Todo dicho, sigamos.

A este tipo de formas documentales por las que transita Pater (llamémoslas: “de creación”) les sienta mejor el ensayo, el apunte suelto, la búsqueda y no la seguridad que muestra esta película. Un gesto fanfarrón de un director que, como dijimos anteriormente, últimamente cree que no hay un mejor personaje que él mismo. Lo cual, quizás, no sea del todo falso. Incluso en esta película, atravesada por la política de su país (es cierto que sería importante conocer un poco más de la política actual francesa para entender ciertas cosas), todo pasa a través de su figura. Lo que antes era un exhibicionismo de su intimidad, ahora se transforma en afectación pública. Aunque también es probable que todo se trate de una gran broma.

No deja de ser una película particular e interesante Pater, a pesar de que, como los políticos, a la larga termina provocando fastidio y desilusionando.

M.A.

Vivir su vida - Dos películas de Ross McElwee

“Criar a un hijo adolescente es más difícil que hacer un documental, pero tratar de hacer las dos cosas al mismo tiempo es una locura” afirma Ross McElwee. Y esa locura es el punto de partida de Photographic memory (2011), un diario personal en el que McElwee comienza retratando los cambios de su hijo adolescente, tratando de entender cómo aquel niño adorable se transformó en este adolescente hosco, para luego volverse un proustiano desplazamiento al pasado. Ross McElwee, decide volver en el tiempo y emprender un viaje a un pueblito francés, en donde 38 años atrás ejerció la profesión de fotógrafo de bodas. Y, armado de viejas fotografías y pequeños cuadernos escritos a mano, tratar de reconstruir aquella época (incluido un viejo amor perdido) en donde tenía casi la misma edad que su hijo hoy. Los recuerdos, por supuesto, ya no son los mismos. El paso del tiempo termina enseñándonos que el material menos confiable, no es el digital ni el analógico, sino aquel sobre el que están grabados los recuerdos.

De McElwee también se exhibe en el festival: Sherman’s march (1986), un clásico del cine (norte) americano, cualquiera sea su genero, aunque tal vez uno de sus muchos méritos, sea el de haber inaugurado uno. Un documental que comienza de una manera, para después transformarse en otra. La idea de contar un momento histórico (la marcha del general Sherman durante la guerra de secesión en USA) da paso a lo personal (el corazón roto del director) en este increíble road movie. Película que consagraría a McElwee y colocaría su nombre entre los más destacados en el panorama del cine norteamericano.

Entre sus particularidades se encuentra la de poder escuchar la voz de Richard Leacock, otro de esos nombres míticos del documental (recuerden 1 P.M. aquella película que comenzó con tres autores, Leacock, J.L. Godard y D.A. Pennebaker, para, casi, terminar sin ninguno), encargado de la narración histórica.

El paso del tiempo entre Sherman’s march y Photographic memory, y la posibilidad de verlas juntas, agregan un plus importante a estas películas. No es solo una época lo que las separa, sino una parte importante de la vida de su autor. Quien con su obra fue creando una especie de En busca del tiempo perdido en clave cinematográfica, en donde los formatos tecnológicos (del 16mm al digital más hogareño) solo nos muestran cambios técnicos a través del tiempo. This memories can’t wait, como dice la canción de los Talking Heads. Y cuando esto ocurre, cuando las memorias no pueden esperar, cualquier herramienta es útil.

Lo único que necesita Ross McElwee para seguir haciendo cine, es su vida.

M.A.

(Parte de este texto fue publicado originalmente en el catalogo del 26º Festival Internacional de cine de Mar del Plata).

Animales sueltos - La maladie blanche

Christelle Lheureux fue jurado en el BAFICI 12, donde también presentó dos de sus películas: Un sourire malicieux éclaire son visage (2009) y Non ricordo el titolo (2008), dos obras que apelaban a nombres prestigiosos de la historia del cine (Hitchcock, Rossellini, Antonioni) para crear ingeniosos productos audiovisuales, siempre deudores del videoarte y la instalación museística y en deuda con el cine. Lheureux es, entre otras cosas colaboradora y amiga –suponemos- de Apichtapong Weerasethakul, quien además aparece entre los agradecimientos de esta, su por ahora última película: La maladie blanche (2011) estrenada mundialmente en el prestigioso festival FidMarseille.

La maladie… transcurre en un pequeño pueblito francés llamado Argot-Dessus, el tipo de lugar al que últimamente el cine moderno nos tiene acostumbrados. A poco de comenzar escuchamos la canción Clandestino de Manu Chao (para quien esto escribe, motivo suficiente para abandonar la proyección de cualquier película, pero como más adelante también se escuchan Alphaville y Joan Jett, mejor sigamos. Eso sí, es música diegética…o sea…). Lo que nos ubica inmediatamente en el clima de festejo que se está viviendo en este lugar, aunque quizás simplemente se trate de un sábado por la noche. Lo que sigue son pequeños momentos, escenas, de parejas y gente conversando, niños alrededor de una fogata jugando a las sombras chinescas. Y un padre y una niña a punto de irse a dormir, quienes derivarán en la parte más importante de esta corta película de poco menos de una hora. Quizás la más alejada de recursos ingeniosos en la obra de Christelle, al menos de las que tuve la oportunidad de ver. Sin embargo hay algo que no funciona o mejor dicho, funciona perfectamente dentro de la lógica de la película y al hacerlo produce cuestionamientos.

Últimamente este tipo de cine, ¿de búsqueda?, ¿artístico?, suele tener una seguridad y una confianza en sí mismo a prueba de todo, y esto sólo genera sospechas. Algo que parece ya visto y redundante en su cuidada estética, en sus escenas bucólicas con niños y aldeanos, en su búsqueda de momentos epifánicos, en su bello blanco y negro digital, y en, otra vez aquí, la aparición de un animal (ya un recurso y lugar común, teniendo en cuenta películas recientes y de este mismo BAFICI -trataremos de ampliar en futuras entregas-). Como si se tratara de un cuento para niños trasladado a la pantalla en forma de documental arty. Pero tampoco se trata exactamente de esto. Al menos, no del todo.

Un cine que, como escribió alguien, busca más un estilo que una estética. Lheureux hace desaparecer la presencia del artificio en sus imágenes y logra así, que su truco sea más limpio y eficiente que en sus anteriores obras.

Y hablando de cuentos para infantes, recuerdo una canción que me cantaban de niño que habla de un accidentado Pinocho al que no podían ayudar en el hospital ya que, decía cruelmente un personaje de la canción: “todo esto será en vano, le falta el corazón”. Quizás el problema de esta película sea ese, la falta de corazón.

Pero escribo esto y me doy cuenta que quizás está mal reclamarle a una película tener corazón o provocar sentimientos, algo visto por casi todo el mundo como la única finalidad del cine. El problema sigue siendo qué se espera o qué se le pide al cine hoy en día. Lo que La maladie blanche ofrece, se parece mucho a un mainstream dentro del cine para festivales. Una película que se dedica a utilizar y acumular formas y recursos ya probados. Casi una nueva forma de cinema de qualité.

M.A.

Este trailer...

Este es el trailer de Fibertel sobre el Bafici, un buen auspicio acompañado de una selección de títulos a emitir, a modo de homenaje, en el canal 90 de Cablevisión, una buena propuesta para quienes no tienen la posibilidad de vivir de cerca el Festival. Eso sí, los que hicieron el trailer nunca fueron, leyeron o escucharon hablar del Bafici, a menos que allí se hayan proyectado alguna de Piratas del Caribe, Ghost o el Willy Wonka de Tim Burton. Eso sí, el look de la espectadora que se hace la película es lo más hispter / gafapasta / esnobiero posible. Cinefilia y  publicidad: desentendidos modernos...

Cerrar puertas y ventanas - L’Apollonide (souvenirs de la maison close)

Bertrand Bonello es un claro representante del director autor. Producto (y ejemplo clásico) del cine francés y su historia. Un director “moderno” que gusta de mezclar formas y estilos. En su anterior película, De la guerre (2008), una personalísima adaptación del libro de Carl von Clausewitz, lograba llevar a buen puerto una serie de ideas disparatadas comandando a un trío explosivo de actores; Asia Argento, el finado Guillaume Depardieu y a la joya nacional (francesa) Mathieu Amalric.

(Para desarrollar en otro momento: hay una relación directa entre L’Apollonide y Tournée, más allá de describir universos plagados de mujeres -y mujerotas- y de sus bandas de sonido soul rockeras, hay algo de la liviandad bien entendida y de cierto placer hedonista que une ambas obras).

Bonello esta vez elige contar una historia original, los últimos días de un prostíbulo durante el cambio del siglo XVIII al XIX. El noventa por ciento de la película ocurre puertas adentros y la narrativa esta marcada por las historias de un variado grupo de prostitutas. Las chicas de Bonello (como antes las chicas de Amalric) son la fuerza (motriz, narrativa) que lleva la película. Sus cuerpos, rostros y sus particularidades se entremezclan con la trama y, esa mezcla, logra una puesta en escena hipnótica. Hay un gesto muy obvio en Bonello para alejarse del clasicismo que le indica la historia, y es a través de la utilización de diferentes recursos formales como la pantalla divida, el uso de las canciones modernas (rock, soul), y hasta registrar una escena SPOILER en un formato de video de baja calidad (en la polémica secuencia final). Como si todo eso fuera necesario para mostrar que lo suyo no es simplemente contar un historia ambientada en el pasado. Bonello es un director extraño (y virtuoso) que por momentos parece depender de varias tradiciones cinematográficas y por otros de ninguna (o en tal caso de otras tradiciones, Bonello es además músico). Por alguna extraña razón, algunos directores franceses (ex - jóvenes) y modernos parecen verse obligados a realizar sus películas “de época”, Arnaud Desplechin con Esther Kahn (2000), Olivier Assayas con Les destinées sentimentales (2000) por citar un par. Y esto termina siendo una marca, o síntoma, del cine francés actual. Por un lado nostálgicamente enamorado de la Nouvelle Vague y sus imágenes e iconos, y por otro arrastrado inevitablemente hacia el cinema de qualité. Autores que de la Nouvelle Vague adoptan su estética pero no su ideología, sin darse cuenta, todavía, y a esta altura, que hablamos de lo mismo. La batalla continúa.

Habiendo dicho todo esto, también es cierto que L’Apollonide (souvenirs de la maison close) es una de las mejores películas que se van a poder ver en este BAFICI. El gran merito de Bonello es mostrar la vida mientras ocurre, a diferencia de lo que suele ocurrir con las películas de época, en donde la vida se muestra en pasado.

Y un saludo a algunos de nuestros colegas quienes ante la belleza, solo ven un gesto reaccionario. Eso les pasa por ser, a diferencia de estas mujeres, tan feos.

(El título de este texto se lo debo a mi colega Cecilia Barrionuevo).

M.A.

El hombre que vio todas las películas y vivió para contarlas

Sobre Peter Von Bagh se suele contar la siguiente anécdota (sepan disculpar ciertas licencias, y como buenos cinéfilos, permítannos imprimir la leyenda): a horas de tomar un vuelo en algún aeropuerto de USA rumbo a su natal Helsinki para cumplir con algún tipo de tarea, Von Bagh leyendo el diario se entera que un cine cerca de allí, ese mismo día se proyecta una copia restaurada de, digamos por decir: Perro blanco (White dog, 1981) aquel film maldito de Sam Fuller. Peter no lo duda un segundo, suspende su vuelo y se dirige a la sala de cine a ver esa maravilla. Estamos hablando, que duda cabe, de un cinéfilo old school y línea dura. Especie en peligro de extinción si las hay. Una persona que, como dice Olaf Möller en el catalogo del festival, vio todas las películas que hay que ver y las vio dos veces. De la biografía de Von Bagh sabemos que fue director de varios festivales y cinematecas alrededor del mundo y autor de una decena de libros. De su abundante obra como director de cine desconocemos casi todo, lo cual es bueno a la hora de enfrentarnos con ella. Solo vimos Helsinki, forever (2008) una sinfonía sobre la ciudad del título utilizando solamente imágenes de films de la historia del cine finés, que parece, no comienza ni termina con los hnos. Kaurismaki. Parafraseando el mítico documental de Tom Andersen sobre Los Angeles, podríamos hablar de Helsinki plays itself, solamente que en una veta más poética y menos analítica que el film de Andersen.

A veces, los tiempos y formas de un festival conspiran con el seguimiento de un foco en particular, esta vez, creemos, vale la pena el esfuerzo. Piensen que en varios casos, ver una película de este director significa ver muchas a la vez. Von Bagh asistirá al BAFICI para cumplir con sus funciones de jurado y, no esperamos menos, seguramente dará cátedra en las presentaciones de sus películas.

Para saber más sobre Von Bagh y sus películas, conviene leer este texto de Olaf Möller publicado en el catalogo del festival de Rotterdam, en donde se presentó esta retrospectiva con algunos títulos más.

En la foto que ilustra este texto, podemos ver al finadito Matti Pellonpää y a la bella Kati Outinen (¿quizás los mejores actores de la historia del cine?) en Tatiana, take care of your scarf (Pidä huivista kiinni, Tatiana, 1994) de Aki Kaurismäki, también conocido como el Kaurismäki bueno. Entre fineses anda el juego.

M.A.

¡Aguante el Bazofi!

Fernando Martín Peña y Fabio Manes son amigos de la casa. Amigotes, podemos decir, sin exagerar. Por eso, desde acá queremos saludar y felicitar y aplaudir y todo eso, a ambos por una excelente iniciativa: el BAZOFI, Primer Festival de Rarezas de la Filmoteca. Y, por supuesto, también queremos recomendar, sugerir, exhortar, obligar, a todos ustedes, sus parientes, vecinos y amigos a no perderse la poderosa programación de este futuro clásico de compacta y poderosa consistencia. Vean los títulos, si no, copypasteados de esta nota de Alfredo García en el Radar.

Jueves 12a las 19.30: Una mujer poseída, de Zulawski (apertura); 21.30: Thaimi, la hija del pescador (foco Juan Orol).

Viernes 13, a las 19: Los caballeros del zodíaco (Bazofito); a las 21: La gran amenaza, de Gordon Parks (Blaxploitation); a las 23: No entren en la casa, de Joseph Ellison (foco Joseph Ellison).

Sábado 14, a las 19: Mazinger Z (capítulos de la serie; Bazofito); a las 21. La princesa desnuda, de Cesare Canevari (sección Trans-dipló); a las 23: Metrópolis (versión Moroder)

Domingo 15, a las 17: Ciclo Amebas y otros seres unicelulares, con música en vivo; a las 18.15.

Jueves 19, a las 19.30: Tupamaros, de Jan Lindquist + cortos psicobolches; 21.30: Melody, de Waris Hussein (Bazofito)

Viernes 20, a las 19.30: Hielo y fuego, de Ralph Bakshi (Bazofito); a las 21: El hombre del tong, con Sessue Hayakawa + cortos mudos sobre drogas + música en vivo; a las 23: Sueño de un día de verano, de Tetsuji Takechi

Sábado 21, a las 19: Película sorpresa; 21: La serpiente verde, de Tsui Hark.,

Domingo 22, a las 17: La maldición ubangi, de Dwain Esper (en un rollo en 35mm nuevo); 18.15: Performance de Peña & Manes sobre el golpe de 1930 con material inédito; a las 19: ¿Quién puede matar a un niño? (Clausura).

Todo esto se podrá disfrutar en el SOC, Sindicato de Operadores Cinematográficos, en Viamonte 2045.

Acá se puede bajar el programa de mano. Y desde acá seguir de cerca lo que va sucediendo.

Estaremos ahí...

Bafici 2012: las imperdibles

Texto extraído de la Guía Encerrados Afuera Para Pasarla Bomba en el Bafici.

- L’Apollonide, souvenirs de la maison close, de Bertrand Bonello: O cómo era vivir en un burdel a fines del siglo XIX. Seguramente la película más hipnótica y bella del todo el festival. Atención a su particular (y atemporal) banda de sonido y a la belleza de sus actrices, claro.

- Tabu, de Miguel Gomes: Dicen los que la vieron que es LO MAS. Ya agotó entradas. Habrá que ver qué pasa…

- Green, de Sophia Takal: Chiquita, íntima, deliciosa. Green la rompe en voz baja.

- Alps, de Yorgos Lanthimos: Si ustedes ya vieron Dogtooth, la película anterior de Yorgos, ya saben a lo que se pueden atener con Alps. Si no vieron Dogtooth, ¡para qué diantres están leyendo esto, irrespetuosos!  Será posible…

- Damsels in Distress, de Whit Stillman: Metropolitan, Barcelona, The Last Days of Disco. ¿Es necesario agregar algo más? Stillman, somos tuyos…   http://www.youtube.com/watch?v=J0RrTl3tA1w

- Nana, de Valerie Massadian: Una de las películas estrella del reciente circuito festivalero. Massadian (quien a esta altura debe estar harta de estas referencias) es la mujer de Pedro Costa y supo ser colaboradora de Nan Goldin. Y, lo sentimos Valerie, es inevitable referirse a estos nombres a la hora de buscar rastros en la historia de esta corajuda niña que pasa sus días en una bucólica casita en la campiña francesa, matizados con asesinatos de chanchos y alguna que otra crueldad hacia los animales. Una película extraña y, de ser esto posible, sofisticada en su simpleza. Como suelen ser algunos niños.

- This Is Not a Film, de Jafar Panahi y Mojtaba Mirtahmasb: Una película que dice no ser una película. Una película sobre la imposibilidad de filmar. Una película que habla del encierro, de la creación y del totalitarismo de un mundo que está cada vez peor. Si esto no es una película, el cine no tiene futuro. Imperdible.

- The Day He Arrives, de Hong Sang-soo: Si hacemos una lista de los cinco mejores directores actuales, Hong Sang-soo sin dudas, sería uno de ellos. Los otros cuatro, elíjanlos ustedes. Nuevamente, los temas y los personajes son los de siempre: un director de cine, unos alumnos, amigos, novias, el amor, la amistad, las borracheras, las conversaciones y caminatas trasnochadas. Una película más que se suma, como un nuevo capítulo, al resto de sus trabajos. Como ocurre también con las obras de Balzac, Rohmer, los Ramones o Daniel Clowes. Lo dicho, Hong Sang-soo es el mejor director del momento.  http://www.youtube.com/watch?v=_nuet1q58z8

- India, de Armando Bo: Uno de los mayores placeres cinéfilos que depara este festival, es la proyección de la película India (1960), de la dupla Isabel Sarli / Armando Bo. Perdida durante mucho tiempo y finalmente recuperada, será exhibida en una nueva copia en 35mm. ¿Quién hubiera pensado alguna vez que íbamos a poder asistir al (casi) estreno de una película de la Coca? Decir imperdible es poco.

- L’Apollonide, souvenirs de la maison close, de Bertrand Bonello: Ah, ya habíamos dicho que era imperdible.

Sexo explícito, enanos y programadores

En nuestra ignorancia, siempre pensamos que estas películas brasileras, realizadas en algún momento entre los años 70 y 80, mezcla de pornografía con comentarios sociales, algo de experimentación y muchos momentos ridículos (por no decir bizarros, esa bendita palabrita) se denominaban "pornochanchada". (Alguna vez, hablando con el director de fotografía Felix Monti nos contó que los técnicos argentinos viajaban a Brasil para trabajar en esas películas y así poder utilizar cámaras y lentes de altísima calidad que por acá, en ese entonces, no se conseguían). Pero ahora viene el BAFICI y nos habla de Boca do lixo. Desconocemos si se trata de alguna re-escritura en clave corrección política o que quizás nos estemos equivocando. Para más información, pueden chequear esta introducción publicada por el festival de Rotterdam, donde esta sección fue presentada en una versión extendida. El encargado de esta selección (por no usar esa fea palabra: curaduría) fue el crítico Gabe Klinger, quien también se encargará de presentar las películas en el BAFICI. De nuestra parte podemos decir que solo vimos O, rebuceteiro (Claudio Cunha, 1984) película que pone en escena las fantasías que todos tenemos sobre el comportamiento de los actores de teatro mientras ensayan una obra y Fuk fuk à brasileira (Jean Garret, 1986) de la que podemos decir que su trama incluye un enano como protagonista, quien en un momento clave de la película huye de una situación escabrosa tirándose –literalmente- por el inodoro y una de las mejores secuencia de títulos de todas las películas que se van a exhibir en el festival. Y si, claro, las dos tienen escenas de sexo explicito.

La verdad que todavía no sabemos si se trata de algún tipo de descubrimiento o simplemente de otro capricho de programadores, quienes a veces, en sus periféricas búsquedas de alternativas a la historia oficial del cine, vuelven con las manos vacías, pero así y todo intentan convencernos de lo contrario. Veremos que tiene para decirnos de todo esto el tal Klinger. Al menos, sexo hay y de sobra. No es poco.

Unos días atrás, Gabe Klinger envió a Diego Lerer (Micropsia) el siguiente texto, en donde se aclaran varias cosas en relación a Boca do lixo y otros temas relacionados con los festivales de cine.

M.A.

Guía Encerrados Afuera Para Pasarla Bomba en el Bafici 2012™

Otro Bafici, otra serie inabarcable de variopintas propuestas que da pie a largas parrafadas en busca de una hoja de ruta. Otra vez la GEAPPBB. Otra vez sugerencias, predicciones, advertencias y esperanzas por doquier. Y alegría, mucha alegría fílmica y vidéica.

En esta 14º edición, el Bafici parece poner el ojo en preguntarse/nos qué es el cine, al menos ese es el eje que su director propone. Indagación exhaustiva, si se tiene en cuenta la cantidad de títulos propuesta y lo humanamente imposible de abarcarlos en un puñado de días.

Se hace necesaria la pregunta: ¿es necesario un festival de tantos títulos, con elefantiasis fílmica, o conviene un Bafici más intenso, concentrado, compacto? Quizá las sobreprogramación sea uno de los modernos males festivaleros. En la previa, los títulos atractivos, fuertes, con ruido anticipado, ocupan un porcentaje menor al de años pasados, a lo que se le suma el agregado de muchos que suenan a relleno (valga la mayoría de los largos extranjeros de la sección Nocturna, como ejemplo). Pero eso no es todo, ni mucho menos. Hay material como para darse una panzada y salir satisfecho, intentando sortear obstáculos, por supuesto. Por eso, basta de cháchara y a ver si aprendemos lo que es el cine.

Esta guía fue escrita a cuatro manos por los señores Marcelo Slowhand Alderete (¡vaya que le dio al teclado!) y Pablo Conde. Ya saben a quienes putear.

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Homeland y el legado de cenizas

-Te apuesto todo lo que tengo, incluyendo mi “Monk’s Dream” autografiado por el mismo Thelonious.

- Prefiero a Coltrane. No es tan recargado.

Este diálogo no es entre dos amigos de la bohemia neoyorkina o dos melómanos de cualquier parte del mundo, es la conversación entre una agente de la CIA que intenta convencer a su jefe sobre una corazonada. Y no es menor la importancia de este intercambio porque este es el tono en el que Homeland transcurre. Agentes de la CIA, marines y funcionarios que además de lidiar con yihadistas, terroristas y agentes dobles, tienen vida propia, gustos y conflictos personales y siempre están tan cerca del cielo como del infierno.

La construcción de los personajes es una clave de la serie. Carrie Mathison (Claire Danes) es una agente de la CIA en sus treinta años, con pasado oscuro en Irak, fanática del jazz, síndrome bipolar en desarrollo y que llega a introducirse subrepticiamente en la casa de su hermana médica para robarle medicación antipsicótica.

Nicholas Brody (Damián Lewis) es un marine que trata de adaptarse a su antigua vida luego de 8 años en una mazmorra iraquí y a quién el gobierno trata de convertir en héroe de guerra.

El tercero en el par es Saul Berenson (Mandy Patinkin), jefe de división de Oriente Medio de la CIA, antiguo líder y mentor de Carrie, que debe enfrentar una inminente ruptura matrimonial debido a su workahólica dedicación al trabajo.

Todo estos conflictos personales se desarrollan en medio de caza de “terroristas”, cámaras ocultas, escuchas telefónicas, polígrafos y funcionarios de dudosa inteligencia y honestidad. Paralelamente, las variadas subtramas que se tejen en torno a las vidas privadas de los personajes fluyen sin esfuerzo a través de la historia principal, manteniendo el suspenso y el interés intactos.

La tensión que se da entre Carrie y Brody es un punto alto en el clima y la intensidad dramática de Homeland. Ambos están concebidos como anverso y reverso en un espejo que puede devolverles alternativamente su imagen como héroe o villano y es en esa contienda emocional y agonal donde radica lo más interesante de cada capítulo. Siempre está latente la posibilidad de que los personajes estén jugando veladamente en el campo contrario en el que revistan oficialmente. Esta situación genera una permanente imprevisibilidad, cualidad notable si tenemos en cuenta la avalancha de películas y series donde todo está marcadamente preestablecido desde los primeros minutos y uno termina jugando, por falta de mejor entretenimiento, a contabilizar cuantas de las predicciones evidentes que hizo apenas empezado el film se cumplen finalmente.

Quienes disfrutaron de “24” encontraran claras analogías y estas no son casuales: Alex Gansa y Howard Gordon, guionistas de la serie protagonizada por Kiefer Sutherland, son dos de los adaptadores del libro del israelí Gideon Raff en el que está basado la serie. Además, el excelente musicalizador Sean Callery, quien también lo fue de 24, agrega elementos de similitud.

Desde ya, no esperen ninguna autocrítica ni cuestionamiento alguna a la guerra contra el terrorismo. El malo de toda maldad es un tal Abu Nazir, miembro de la ubicua organización terrorista Al-Qaeda. Nada se dirá de Guantanamo, Enron, Abu Ghraib, contratistas de defensa, armas de destrucción masiva inexistentes y otras “hazañas” de la gran democracia del norte. El fantasma apocalíptico del 11/S todavía recorre el espíritu americano con saña feroz.

El imperio tiene claro que debe  presentar y respaldar sus argumentos y posiciones dentro de un formato atractivo. Y con este thriller lo logra absolutamente, aunque su historia oficial sea completamente falsa. Tampoco es casualidad que Barack Obama haya dicho que Homeland y Boardwalk Empire (basada en la vida de un mafioso de los años 20 adscripto al partido republicano) son sus dos series preferidas.

Y si de casualidades y causalidades hablamos, mi paranoia anti imperial me encontró al mismo tiempo que disfrutaba de esta muy buena serie, leyendo “Legado de Cenizas, la historia de la CIA”, el esclarecedor libro de Tim Weiner (escritor y periodista del New York Times y ganador del Pulitzer de 1988). No pude dejar de reparar en el contraste entre Homeland, con sus personajes melómanos, altruistas y sacrificados con los verdaderos miembros de la Agencia. Weiner destroza a la CIA  y a sus agentes describiendo operaciones encubiertas, asesinatos, torturas, sobornos, mentiras, traiciones, falsas revoluciones, organizaciones de cobertura, fraudes, elecciones amañadas, diplomáticos truchos, operaciones desastrosas, golpes de estado y todo tipo de acciones para “defender la libertad” en el mundo.

Solo un ejemplo: luego del desastre de Bahía de los Cochinos (en el que la CIA fue principal protagonista), Bobby Kennedy le ordenó a Ed Lansdale, jefe de operaciones del grupo especial de la agencia, que proyectara el trabajo de la CIA en lo sucesivo para derrocar a Fidel Castro: “reclutar y movilizar a la iglesia católica y a los movimientos clandestinos cubanos, fracturar el régimen desde adentro, sabotear la economía, subvertir a la policía secreta y destruir las cosechas con armas biológicas o químicas”. 

Cada una de las operaciones secretas que Weiner describe está respaldada en un voluminoso apéndice basado en más de 50.000 documentos de su archivo propio y de material  desclasificado del gobierno de EEUU, además de cientos de entrevistas a los principales protagonistas.

Y yo me quedo pensando, quizás alpedísticamente y sin ningún fundamento, que la CIA no sería tan nefasta si sus agentes disfrutaran verdaderamente de Coltrane y del gran Thelonious.

txt: Hochimilk (@Hochimilk)

Bafici 2012: recomendaciones y observaciones en 140 caracteres

Durante los últimos días nuestro amigo Marcelo Alderete (gran cinéfilo y programador del Festival de Mardel entre otras actividades mas o menos decentes), estuvo enviando via Twitter una serie de recomendaciones y observaciones para encarar el próximo Festival de Cine Independiente de Buenos Aires. A continuación y a modo de adelanto de nuestra clásica Guía Para Pasarla Bomba en el Bafici, recopilamos esos tuits para tener en cuenta que hay de bueno, malo, raro y loco en el Festival y todavía no sabías. Si les gusta, pueden seguir a Marcelo en su cuenta @Aldemarce.

JOAO CANIJO. FANTASIA LUSITANA es un documental increíble. SANGUE DO MEU SANGUE divide las aguas. Habrá que ver el resto. Anda bien Portugal

Mi hermana, la ilustradora, me dice que si, que si te gusta la animación no te pierdas los cortos de SIGNE BAUMANE. Yo siempre le hago caso.  





Viendo las funciones agotadas en el BAFICI, se confirma que Werner Herzog es el Roger Waters de la cinefilia local.  

Me llega el rumor que las películas de James Benning, Bill Morrison, Nathaniel Dorsky, Betzy Bromberg y Grandrieux, no estarían por agotarse  

Los dos docs. sobre la vida y obra de MASAO ADACHI, ambos de títulos bellos e interminables, son imperdibles. Busquen en las grillas. Eso.  

Fernand Melgar es un documentalista serio. LA FORTERESSE y VOL SPECIAL están muy bien. De las otras no vi ninguna.  

Desconozco CARLOS PRATES y el texto de mi amiga Eloísa Solaas no me termina de convencer. Habrá que ver un par y decidir. O quizás no. No sé.  

De GRANT GEE todos vimos y están muy bien las de Radiohead y Joy Division. Habrá que ver que hizo con Sebald. Los cortos pintan bien. A ver.  

Raúl Ruiz se murió en el 2011 y dejo un obra de más de 200 títulos. Todo empezó con este corto de 19 minutos: LA MALETA. Hay que verlo.  

Del foco de los ZELLNER BROS. solo vi GOLIATH y me gusta. Hasta tengo un pin y un auto-adhesivo. No pregunten. Supongo que esto estará bien.  

De las películas que eligió Hans Hurch para los 50 años de la Viennale, son todas buenas. No vi, aclaro, XALA. El resto, vayan con confianza. 

VIENNALE También se van a exhibir los cortos institucionales que hicieron para el festival nenes como: Godard, K.Jacobs, J.Mekas, Lynch...  


De la gran oferta de cine chileno de este BAFICI la más interesante es SENTADOS FRENTE AL FUEGO, eso si, no la busques en el catálogo.  

Los cinéfilos seguiremos con confianza el foco de PETER VON BAGH y, no tan confiados pero con esperanza, la de GÉRARD COURANT.  

Alejandro Jodorowsky hizo grandes películas y después se dedico a esoterismos varios.1 de ellos la psicomagia. De eso va el doc QUANTUM MEN  

WEI TE-SHENG. Es un taiwanés y el amigo @tomasdotta me debería pasar los dvds. Por lo que leo, me dan muchas ganas de ver CAPE NO. 7  

TOMAS ALFREDSON ¿viene o no viene? Va a estar lindo ver LET THE RIGHT ONE IN en 35mm. Siempre me pareció raro q la remake también sea buena  

Sobre la sección BOCA DO LIXO nos extenderemos más adelante... Mmmmhhhh...  

La argentina ANTE LA LEY (¡138 minutos!), parece ser un doc. sobre Carlos Correa. Aparecen Tomás Abraham, Filipelli y H. González. Raro.  

MASKS, película de terror alemana q, parece, remite al giallo. Por acá juramos por Dario Argento. Así que, ahí estaremos y juzgaremos q tal. 

RARE EXPORTS, A CHRISTMAS TALE esta muy bien. Lo único malo, es del 2010. Pero vale la pena. Los Goonies+nieve+navidad+Santa+Finlandia...  

Puede que no te guste Sigur Rós y está todo bien. Pero aún así deberías darle una oportunidad a INNI de V. Morisset. Lo que se dice un viaje  

Si no te gusta Neil Young estás equivocado, así que soluciona eso y anda a ver NEIL YOUNG JOURNEYS de Jonathan Demme. Y todos contentos.  

El doc. sobre THE LIBERTINES, bueno, al que le gusten...todo bien. Por esos días va a estar en BA Carl Barat. A ver que dice el #TeamDoherty  

Atención con ON VAMPYRES AND OTHER SYMPTOMS particular doc. sobre José Ramon Larraz, director español que supo trabajar para la Hammer.  

La historia de HOLLYWOOD TALKIES es el típico material de docs. cuadrados. La forma elegida por los directores, lo transforma en otra cosa.  

BATTLE OF THE QUEENS de este doc. solo sé que es de vacas que pelean por su posición en la jerarquía social. Y una se llama Melancolía. MUST  

PATER de A. Cavalier. En su momento me irrito mucho, pero después me gustó. Veo que es algo que le paso a muchos. Hay que rescatar THÉRÈSE.  

Uno de los grandes momentos del festival: INDIA, película perdida de la dupla BO / SARLI, en copia nueva. ¿Quién vio esta película? Nadie.  

De THE DAY HE ARRIVES de Hong Sang-soo. ¿Qué decir? Una de las mejores del festival. Las chicas de mi TL odian a HSS. Espero represalias.  

Con el amigo Conde somos fans del elegante y aristocrático Whit Stillman. Así que, DAMSELS IN DISTRESS para nosotros es una obligación.  

Como si fuera poco, en DAMSELS IN DISTRESS actúan Greta Gerwig y Aubrey Plaza. Ahhh... en fin. Lo dicho, ahí estaremos con el amigo Whit.  

Hay dos películas de conocidos, que después de mucho trabajo lograron terminarlas: EL TRAMO de J.HENDEL y ERRANTES de URSI / CARABELLI.  

MICHAEL trata sobre un pedófilo que secuestra a un niño. En el texto del catalogo, la primera oración que habla de la película utiliza la palabra "penetrantemente". En fin. Si hay una película a evitar en este BAFICI, esa es MICHAEL.  

Sophie Takal es la directora de GREEN y actriz de THE INTL. SIGN,,, Quienes vieron las dos, dicen que GREEN es mejor. GREEN no esta mal.  

En MDP dimos Dogtooth, la anterior del griego Yorgos Lanthimos, quien estuvo en el festival. De ALPS todos dicen que es algo raro. Veremos.  

INNI (2011) de V. Morisset es un documental sobre Sigur Rós. Y, este dato me encanta, una de las 5 películas favoritas del año de Campusano.  

Y, si bien es un poco obvio, de las 5 películas que se dieron en MDP y repite el BAFICI, no hay que perderse ninguna. El orden sería  1.This is not a film (Panahi), 2 L'Apollonide (Bonello), 3. Photographic Memory (McElwee), 4. INNI (Morisset), 5. Hors Satan (Dumont).  

El director Philippe Mora es el culpable de dirigir películas como Aullidos 2 y 3 y Mad Dog Morgan, glorias del VHS. Pero antes de  eso, dirigió el documental SWASTIKA (1974) armado con material de archivo, centrándose en la figura de Hitler. Tremendas imágenes de Adolf.  

VOLUPTUOUS SLEEP (2011) de Betzy  Bromberg. Creo que en MDP o en BAFICI ya se mostraron película de esta directora experimental. Va en 16mm.  

El ¿documental? anterior de Kiko Goifman, Filmefobia, era tremendo. Ahora tiene uno nuevo: OLHE PRA MIM DE NOVO (2011)... #BAFICI  

THE PETTIFOGGER (2011). La historia de un estafador en los 60. El catalogo dice: "collage cinematografico" y H. Smith. Estuvo en la Viennale

Dos cortos de grandes directores: ALVORADA VERMELHA, de J.P. Rodriguez y BYUN, OBJET TROUVÉ, de Marie Losier. Hay que ver con que los dan.  

TRIBUTES - PULSE (2011) de Bill Morrison. Para descansar de tanto plot-point y guiones en 3 actos, se ven esto. Para esto existe el #BAFICI.  

PABLO (2011) de R. Goldgewicht. Doc. sobre P. Ferro, el tipo que hizo las secuencias de títulos de algunas películas.  

Las 2 de BORE LEE. Si veo el trailer, me dan ganas de salir corriendo, pero después leo que las recomienda C. Huber. Hay que ver 1 y decidir  

HELSINKI, FOREVER (2008) de Peter Von Bagh. Documental sobre la ciudad del título, utilizando solamente imágenes de películas finlandesas.  

... (Puntos suspensivos) (1971) de Edgardo Cozarinsky. Mítica película de Cozarinsky, va a estar bueno ver que pasa. Es una copia nueva.    

PHILIPPE GARREL À DIGNE (PREMIER VOYAGE), de Gerard Courant. Un documental en dos partes sobre Philippe Garrel (¿genio o bluff?). #BAFICI  

LE PONTS DES ARTS (2004) de Eugène Green, director de la genial Le monde vivant y la no tan genial, pero buena, A Religiosa Portuguesa.  

MODS, de Serge Bozon el director de LA FRANCE, que estuvo en unos festivales atrás. Suena como una versión musical de Quadrophenia. #BAFICI  

PLAY de R. Östlund. Esta si que es polémica, compleja y muy interesante, si bien a mi no me gusta particularmente.  

L’ENFANT D’EN HAUT, de U. Maier. No la vi, me gusta su película HOME y no sé más.  

LA ARAÑA VAMPIRO de G. Medina. Con esta película me sale el fan adolescente, no puedo evitarlo después de Los paranoicos. Veremos  

NANA de V. Massadian (mujer de Pedro Costa y colaboradora de Nan Goldin). Una película pequeña y compleja. Para discutir largo.  

LA CASA EMAK BAKIA, de Oskar Alegria. Los españoles cuando se van a los extremos, son buenos. Esperemos que este sea el caso. 

De todas maneras no habría que perderse VOLUPTUOUS SLEEP de Betsy Bromberg, digo, experimental, 16mm. Para esto sirve el BAFICI, no?  

"Evaluar un festival es siempre enunciar una falacia. Nadie vio todos los filmes y, además, hay un ambiente que contagia el entusiasmo o la desazón." ¿Quién dijo (escribió) esto?.