Imágenes paganas, de Sergio Cucho Costantino

Buenas entrevistas, bastante archivo e imágenes inéditas del personaje protagonista. No le pedimos nada más a un documental sobre un personaje como Federico Moura. Si todo eso está ¿para qué agregarle más?
Entre animaciones y fondos con colores chillones y una pantalla siempre muy cargada - aquí hay alguien deslumbrado por las posibilidades de los programas de retoque digital - el film cuenta la historia de Moura y la banda paralelamente a la historia de Paloma, una de sus fans. Paloma, está presente desde 1981 vestida de colegiala hasta el 2011 que se acerca al escenario donde la banda toca la canción del título en el concierto aniversario de Wadu Wadu. En el medio la vemos bailar, tocarse, tener una novia, llorar larga y exageradamente la muerte de Moura y andar en moto en un video muy similar -pero MUY similar- al de Savage Night at the Opera de Destroyer.
Por suerte, además de la fan insoportable (y sus amigos bailarines), el film cuenta con testimonios interesantes que ayudan a conocer más a un personaje imprescindible del rock argentino. Hablan todos los Virus, varios amigos, músicos cómo Calamaro y Leo García y hasta la madre de los Moura que cuenta los primeros años de la vida del cantante y también sus últimos días. Entre el material de archivo sobresale el de un show de la época del álbum "Agujero Interior", grabado en un boliche chico en el que la cámara está en el borde del escenario y registra el tema casi como se hace en estas épocas de celulares y camaritas portátiles.

Jota Pérez

La parte de los leones - Los premios del BAFICI

Una nueva edición del BAFICI que termina y una nueva lista de premiados que se agrega a su historia. Ayer, en un simple y rápido acto, se entregaron dichos premios en el siguiente orden:

Premios no oficiales:

FIPRESCI de la crítica internacional: Viola (Argentina), de Matías Piñeiro
FEISAL: Soy mucho mejor que vos (Chile), de Che Sandoval
SIGNIS: Su Re (Italia), de Giovanni Columbu
ADF (Directores de fotografía): Nic Knowland, por Berberian Sound Studio (UK), de Peter Strickland
ACCA (Asociación de Cronistas Cinematográficos): La Paz (Argentina), de Santiago Loza

Nunca supe cuales son los criterios de las entidades que entregan premios no oficiales en los festivales y por qué son estas asociaciones y no otras. El premio de SIGNIS a Su Re, es religioso en su obviedad y redundancia. Y en cuanto al de ADF (Asociación de directores de fotografía), qué decir. La idea de premiar a las películas por rubros separados siempre me recuerda a esa forma antigua (pero que todavía existe), que consiste en enumeras los valores de una película para una vez contabilizado todo decir si está bien o mal. Eso si, no hay duda que los DF son una asociación o sindicato con un muy buen departamento de prensa. En cuanto a SIGNIS, nunca entendí por qué una asociación religiosa entrega premios. Es cierto que los católicos y los fascistas siempre fueron grandes cinéfilos.
Los críticos de FIPRESCI hicieron lo que había que hacer, premiar a Viola y por una vez, tuvieron razón.      

Acerca de los premios del público, BAFICITO y los cortometrajes, no tengo nada para decir. Son temas que se me escapan y de la competencia de cortometrajes, sólo vi el compilado que no incluía ninguna de las ganadoras. Y algo similar me ocurre con la mención y la ganadora de la competencia de Derechos Humanos:

Mejor Película: Materia oscura (Italia), de Massimo D'Anolfi y Martina Parenti
Mención Especial: My Afghanistan, Life in the Forbidden Zone (Dinamarca), de Nagieb Caja

Títulos que escuche por primera vez en el momento de la premiación. Algo que ocurre al haber tantos títulos y competencias. Se hace física y temporalmente imposible seguirlas. Si decíamos que los religiosos y los directores de fotografía gozan de buena fama, qué decir de los derechos humanos. Como siempre, mejor es no decir nada y seguir adelante. Quizás en el futuro veamos estas películas, o no.

En la debutante sección Vanguardia y género, las ganadoras fueron las siguientes:

Gran Premio: Arraianos (España), de Eloy Enciso
Mejor Largometraje: Joven y alocada (Chile), de Marialy Rivas
Mejor Cortometraje: A Story for the Modlins (España), de Sergio Oksman

No termine de entender (como muchas otras cosas, según veo lo que voy escribiendo) lo de entregar premios separados a un corto y a un largometraje. Pensaba que el sentido de esta sección era que todos competían con todos en igualdad de condiciones, pero parece que no, que no era así y cada una de las duraciones tuvo su premio. A story for the Modlins, fue el corto ganador del Goya y se trata de una original historia, con cierto toque de crueldad a la hora de exponer a sus personajes. Joven y alocada representa lo mejor del muy profesional cine chileno que apareció últimamente y Arraianos es, sin dudas, una de las grandes películas del esta edición. Gran exponente del cine gallego, Enciso hace uso de sus innegables influencias de los Straub, pero crea una obra que va más allá de las simples referencias.

De la competencia argentina vi poco. Los ganadores fueron:

Película: La Paz, de Santiago Loza
Director: Raúl Perrone, por P3ND3JO5
Mención Especial: El loro y el cisne, de Alejo Moguillansky

La Paz funciona como una versión luminosa de Extraño, la opera prima de Loza. Es justo entonces que haya ganado el premio en su categoría en este nuevo BAFICI que aspira a la alegría y “lo pop” (lo que sea que esto signifique y, siempre, en el mejor de los sentidos).

Y llegamos a los premios oficiales, que fueron los siguientes:

Mejor película: Berberian Sound Studio (Gran Bretaña), de Peter Strickland.
Premio Especial del Jurado: Leones (Argentina), de Jazmín López
Director: Matt Porterfield, por I used to be darker (Estados Unidos)
Actrices: María Villar, Agustina Muñoz, Elisa Carricajo y Romina Paula, por Viola (Argentina), de Matías Piñeiro
Actor: Francesco Carril, por Los ilusos (España), de Jonás Trueba
Mención Especial: Playback (Suiza), de Antoine Cattin y Pavel Kostomarov.

No ví Playback y Leones no es de mis favoritas (aunque sigo sin verla en óptimas condiciones y por lo tanto soy un poco injusto con mi comentario). I used to be darker representa el cine indie americano, un lugar del cual no sale mucho cine últimamente, pero su director es -como se suele decir- un nombre de la casa. Sobre los actores no tengo demasiado para opinar. Sí sobre las actrices. Ese grupo de hermosas mujeres que atraviesan el film de Piñeiro son de lo mejor que ha dado el cine argentino. Un cine que no suele tener mucha predisposición por la belleza (más bien lo contrario). Haber premiado Viola sólo por esto, fue lo más extraño del palmarés baficiano y, quizás, lo más criticable. Pero desde aquí, y en concordancia con los tiempos que corren, lo habíamos vaticinado cuando dijimos que “el que entra Papa sale cardenal”. Viola era la favorita de todos desde (inclusive), antes de que comience el festival. Algo que suponemos, terminó jugándole en contra. Pero esto no importa, desde acá seguimos pensando que es una de las mejores películas argentinas en mucho, mucho tiempo. Se estrena pronto, por suerte.

Me gusta Berberian Sound Studio, ya lo dijimos en estas páginas. Sin embargo, siempre me pareció extraña su inclusión en la competencia oficial del BAFICI. Y lo mismo me pasa con Call girl y A highjacking y Vamps (en VyG). Todos estos, títulos que no parecen necesitar del festival. Películas grandes, con mucha producción que desentonan en la competencia del BAFICI y que repetimos, no necesitan de estos premios para resaltar o ser vistas por más público. Títulos que parecen pertenecer a otra esfera, mucho más profesional. Uno de los mayores logros del festival en su historia, fue el de darle público a un cine (más cercano a lo artesanal y personal) que en otro lugar o de otra forma jamás tendría. Ninguna de estas películas parece necesitar de esto. Como dato, basta agregar que ninguno de los directores de esos films estuvo presentes en el festival, aunque esto puede deberse a muchos motivos. (Cuando chequeo esta información, descubro que el director de Call girl sí estuvo en el festival, o al menos eso dicen las gacetillas de prensa). El triunfo de Berberian Sound Studio no hizo más que confirmar desde el palmarés los nuevos tiempos que corren en el BAFICI desde su dirección artística. Un gusto por el “género” y un acercamiento sin pudores ni resquemores al cine mainstream (de nuevo, lo que sea que signifique). Esperemos a ver hacía donde lleva todo esto.

Marcelo Alderete 

PD: Soy programador del “otro” festival de cine de la Argentina y no dejo se sentirme raro al escribir comentarios críticos sobre el BAFICI. Si embargo, de chiquito me enseñaron que el amor se demuestra ocupándose de la gente que uno quiere. Entonces, me ocupo. Aunque nadie me lo pida, claro.

Turning de Charles Atlas

Después de ver Leviathan corrí al soulseek para ver que había sido de la vida de Oval. Qué haré después de escuchar a Anthony & The Johnsons por todo este tiempo? Me zambulliré en la melancolía absoluta? No. No lo creo. Los catálogos se equivocan para bien y mal. Digo. Tipo Loft todo luz. Pintaba mal pero arriesgamos igual. Después de todo se trata de la voz más hermosa del planeta. Nunca pude escuchar un disco entero. Como me dijo mi amigo Antonio esta mañana por teléfono (oh casualidad!); la mayoría de los occidentales no toleramos la India por su intensidad. Lo mismo con Anthony. Parece demasiado. Y lo es. Por eso quería ver la película y de algún modo obligarme a sentarme y escuchar. Tanta humanidad!! Tan alejado de la histeria y el histrionismo que nuestra imagen heredada asocia con el travestismo. Cuenta Anthony que Le Monde hablaba de su show como un Manifiesto Travesti. Como si eso dijera algo. No se molestó, al contrario; cualquier palabra asociada a la de Manifiesto suena bien bromeaba. Bienvenido. Anthony sale de gira con unas cuantas chicas que son retratadas durante el show. En el film, entrevistas que nos erizan la piel. Humano, demasiado humano. Se comprende tanto que haya personas que necesiten tanto amor habiendo vivido solo el rechazo; ¨esperaba que el dolor me devorara y un día volarme la cabeza como una liberación¨. Historia tras historia y Anthony interpretando las canciones más delicadas del planeta. Un gran final de fiesta. Dj Malhumor.

Todos los premios oficiales del Bafici 15

SELECCIÓN OFICIAL INTERNACIONAL
Mejor Película
Berberian Sound Studio, de Peter Strickland (Reino Unido, 2012).

Bafici 2013: Encuesta Encerrados Afuera

¿Fueron al Bafici? ¿La pasaron bien? ¿Se embolaron mucho? Los invitamos a elegir lo mejor y lo peor de esta edición número 15 del Festival cinéfilo porteño.
Aquí abajo están las categorías propuestas, pasen y voten en los comments por favor.

1) Mejor película
2) Peor película
3) Mejor escena lisérgica
4) Mejor escena de sexo
5) Mejor banda de sonido y/o canción
6) El personaje
7) El inflado
8) Basta ya de...
9) La frase
10) En el Bafici 16 estaría bueno...

Datos personales:
Nombre/Nick - Cantidad de películas vistas

Ma belle gosse, de Shalimar Preuss

Esta es la típica película de festival. Películas que se pueden defender más por lo que no son que por lo que realmente proponen. Films placidos, sin mayores sobresaltos ni trazos gruesos. Una familia numerosa pasa sus días de vacaciones en alguna zona de la costa francesa, mientras se descubre que la adolescente protagonista intercambia cartas con un presidiario. Pero poco importa su trama, la idea de este cine pasa por otro lado. Situaciones, momentos, pequeñas observaciones. 

No es de esos títulos que causan sensación por el nombre de su director (autor) o por sus temas truculentos o formas originales. Es de esas películas que con sus aires menores terminan por no molestar a nadie. El problema es que este tipo de recursos ya se transformó también en un cine hecho para festivales.
Todo aquí es menor y se evita el subrayado como a la peste. Hay una trama pero es muy leve, hay actuaciones pero siempre contenidas, hay paisajes hermosos pero siempre mostrados de pasada, como si no importaran. Hasta el lugar (un pequeño pueblo playero) y el momento (las vacaciones), suenan repetidos. Lo dicho, el tipo de obras menores que no parecen decir mucho sobre nada. Excepto que a veces, tratar de escapar de formulas remanidas del cine mainstream, solo llevan a caer en otras formulas y transformar todo en un círculo del cual, parece, no hay salida. Un cine que de tanto alejarse de las truculencias habituales del cine actual, termina creando sus propios lugares comunes y transformándose en el cinema de qualité del mundillo festivalero.

Marcelo Alderete

Nobody's Daughter Haewon, de Hong Sang-soo

Al final no vino Hong Sang soo. Una tristeza grande. A cambio estuvo casi toda su obra. Faltó esa pequeña gran película (nos negamos al termino cortometraje) llamada List, una variación sobre el comienzo de In another country (2012). Además, el festival editó un libro compilando notas, críticas y reportajes sobre el maestro coreano. En algún lado, escribimos lo siguiente:

El festival también editará un libro sobre su obra. No es un dato menor. A pesar de la importancia de HSS en el cine moderno, la bibliografía dedicada a su cine es injustamente escasa. Tampoco es mucho lo que aparece buscando por la red. Los reportajes que se encuentran no suelen ser muy esclarecedores. A Hong –parece-, y a diferencia de sus personajes, no le gusta hablar de su arte y menos teorizar sobre el. Una actitud que engrandece su figura y que parece decir que con las películas ya es suficiente. Ni desconfianza en las imágenes, ni exceso de confianza en las palabras. 

Al enterarnos que Hong no venía, la depresión nos hizo suspender un texto extremadamente largo que llevaba por título “Hombres con mochilas: un recorrido por las películas de Hong Sang soo”. Esperamos, una vez superado el cansancio festivalero, poder continuarlo y alguna vez darlo a conocer. 

Ayer vimos la última (por ahora) película de HSS, Nobody's Daughter Haewon y, como suele suceder, nos gustó mucho. En el texto sobre esta película en el libro editado por el festival, se citan declaraciones sacadas de un reportaje realizado por la revista Korean Cinema Today. En dicha entrevista Hong, como siempre, habla poco pero dice algunas cosas. Por ejemplo, estas:

Esta es la primera de sus películas en la que una mujer, una joven, es la narradora desde el principio hasta el final, en su totalidad. ¿Hay alguna razón para que Haewon, una de poco más de veinte años, sea la protagonista? También me da curiosidad saber por qué le puso ese nombre. 

Había decidido hacer una película y estaba buscando actores cuando conocí a Jeong Eun-chae. Su encanto fue probablemente la razón por la que este film se centró en una mujer joven de veintipico. Con respecto al nombre Haewon, sonaba lindo. 

Jeong Eun-chae es un nuevo nombre en el grupo de actores de sus películas. ¿Qué lo impresionó y qué descubrió de ella durante el rodaje? 

Para mí siempre es difícil describir lo que siento con un actor en palabras. Pienso que su actuación fue muy buena durante el rodaje. Trabajar juntos fue una experiencia agradable.

Jane Birkin aparece al principio de la película. Escuché que usted no sabía realmente quiénes eran ella y su hija Charlotte Gainsbourg. Cuéntenos cómo llego Jean Birkin a aparecer en la película. 

Nos estábamos preparando para el rodaje cuando Jane Birkin vino a Corea para un concierto. Me buscó y me invitó al concierto. No la conocía mucho en ese momento, pero creo que ella había escuchado de mí por Isabelle Huppert. Le dije que el primer día de rodaje era el mismo día del concierto, y ella dijo que vendría a visitar el set, y que incluso haría un cameo si yo quería. Me pareció un gesto divertido y considerado, y entonces le pedí que apareciera en la película.

Hay una escena en la cual Haewon dice: “Vendería mi alma por ser como la hija de Jane Birkin”. ¿La idea de esa línea del guión fue de Jeong Eun-chae? 

Cuando Jane Birkin vino al rodaje, le escuché decir al productor que Jeong Eun-chae era una gran fanática del trabajo de su hija, Charlotte Gainsbourg. Así que lo termine escribiendo en el guión esa mañana. Fue una oportunidad.

La ropa y el corte de pelo de Haewon también son extremadamente similares al estilo de Charlotte Gainsbourgh. ¿Fue esto una coincidencia? Me dijeron que usted personalmente se ocupa de la apariencia de los personajes en sus films. 

Fue una coincidencia. En el placard de Jeong Eun-chae encontré ropas que le iban bien al personaje. 

La aparición de los personajes Yeonju (Ye Ji-won) y Jungshik (Yu Junsang) son un guiño simpático para los fans de Hahaha (2010). Es la primera vez que personajes de uno de sus films reaparecen en otro. ¿Hubo una razón especial para presentar la personaje principal de Hahaha en Nobody's Daughter Haewon?

Necesitaba otros personajes para rodear a Haewon y elegí a Ye Ji-won sin planearlo demasiado. Antes del rodaje fui a la boda de uno de los miembros del equipo técnico y me encontré con Yu Junsang. El me dijo que tenía que estar en esta película. Bromeando le dije: “Entonces los dos van a tener que aparecer como el dúo de Hahaha”. Y ese chiste volvió a mi cabeza mientras escribía el guión por la mañana y así fue cómo ocurrió.

Continuará… (esperemos)

Agradecemos de antemano a la revista Korean Cinema Today (y al crítico Kim Hyun-min) y a la gente del BAFICI. Especialmente a Juan Manuel Domínguez, editor del libro El director desnudado por sus pretendientes – El cine de Hong Sang soo, de donde sacamos la traducción de dos de las preguntas / respuestas que aquí citamos. Obviamente, no sé le pidió autorización a nadie. Si alguien desea quejarse, nos avisa...

Marcelo Alderete

Su Re, de Giovanni Columbu

Si hay una historia que uno jamás se imaginaría en una película de la competencia del BAFICI, prejuicios de por medio, esa historia es la de la pasión de Cristo. Que es, justamente, la historia que cuenta Su Re. La respuesta al por qué de su selección, supongo, está en las formas que elige este film. La película está filmada en Cerdeña, utilizando actores amateurs de esa misma zona, hablada (en sus escasos diálogos) en lengua sarda y con encuadres que por momento rozan lo pictórico (descubrir o conocer esas referencias, hablan de algo, pero no sabemos bien de qué).
Su Re cuenta la pasión de Cristo, decíamos, y lo hace con aires a lo Huillet - Straub. El problema surge entre el estilo elegido y la historia contada. Los films de Huillet y Straub nunca se cruzaron con los grandes relatos como sí lo hace este film. Hay algo sospechoso en la acumulación de todos estos recursos, que derivan en una lista de ideas preconcebidas.
Una película extraña, sin duda, y que tiene entre sus particularidades el raro honor de ser protagonizada por el Jesucristo más feo de la historia del cine. He aquí su verdadera blasfemia.

Marcelo Alderete

Like Someone in Love de Abbas Kiarostami

“Like someone in love” es una película extraña, un dispositivo complejo hecho para confundirnos, una película hecha de meras superficies (que no es lo mismo decir superficial), ya que su opacidad e ilegibilidad general se debe menos a la complejidad hermenéutica de su anécdota, que al efecto cegador que nos provoca la transparencia de su estilo.

Viola, de Matías Piñeiro

Pienso que es importante la continuidad entre un rodaje y otro. Filmar sin tanta demora. Creo que una película llama a la siguiente, que se van trabajando temas y modos de una a otra según los cambios que se van viviendo. Creo también que esta actividad requiere de regularidad –como el ejercicio físico-, para poder encontrar el equilibrio que hace que las películas no se desconozcan entre sí y que resulten hermanas en esa tensión entre lo parecidas y lo diferentes. 

A veces creo que soy director de cine sólo por la gente con la que me junto a hacer estas películas. Son ellos lo que hacen que yo sea director, porque la verdad es que no me imagino haciendo una película sin ellos. La responsabilidad de trabajar con amigos es mayor porque a lo laboral se le suma lo personal. Todo es más complejo, pero así lo prefiero porque el compromiso se hace más denso y la satisfacción también. 

Matías Piñeiro en la revista Las naves 1 – Manifiestos de cine contemporáneo

Con Viola, Matías Piñeiro realiza su mejor obra y uno de los puntos más altos del cine argentino reciente. Película a película, Piñeiro fue creando un universo autónomo, cada vez más despojado de elementos superfluos y extrañamente, cada vez más rico y personal, en donde todo fluye con gracia y placidez. Para disfrutar de Viola, sólo hay que tener ese “gusto por la belleza” del que hablaba Rohmer. Esta vez, la excusa literaria es Shakespeare, pero nada más alejado del teatro que el cine de Piñeiro. (O al menos, de esa interpretación negativa que el cine suele hacer del teatro). La trama mínima es una simple excusa para seguir a estos personajes que recorren y se cruzan en una Buenos Aires habitada por jóvenes artistas y sus encuentros y desencuentros (amorosos y de los otros). Matías Piñeiro, por ahora, es el mejor director de cine de la Argentina. O al menos, el que mejor logra plasmar su talento. Un talento que le permitió crear, hasta ahora, una filmografía de una consistencia difícil de encontrar entre los nuevos realizadores.
Uno de los mejores títulos de esta competencia internacional del BAFICI (y junto a Parapalos y Mundo grua, quizás una de las mejores películas argentinas participantes en la historia de esta competencia). No se trata tanto de una adaptación de Shakesperare, sino de Shakespeare adaptándose al universo de Piñeiro. Me gustaría, también, decir que se trata de la mejor adaptación de Shakespeare al cine pero, por suerte, no vi todas las otras adaptaciones.

(Este texto es una mezcla de otros publicados previamente, aviso).

Marcelo Alderete

Mini reseñas coritas o el flagelo de escribir en teclado ajeno

Como las peliculas se acumulan en la ezacab y no hat tiempo de escribir sobre todo al menos como uno quisiera, acá va un rejunte de comentarios micro que al fin de cuentas es lo que los chicos de hoy quieren, si total no leen nada y se la pasan jugando al counter strike.

A  town of whales: Se llamaba asi realmente? este es un posteo adrenalinico. no hay tiempo de googlear datos. tampoco hay tiempo de  ubicarlas mayusculas ni de separar las palabras. Peli ultra indie, ultra amateur, con muchos de los motivos que atinadamente aborreció Dj Malhumor en posteo anterior. Pero aun así  triunfa. Y eso es lo que uno pide también, no? si total el cine indie es también un género, en un punto; la cuestión es, como en una canción pop, una de terror o una porno, encontrar el sello personal, encontrar la magia. Y esta pel´picula, consus problemas de actuación y de montaje subrayado, aúm así cuenta una historia muy linda, de coming of age , pero distinta, de coming of ages desfasados que no se encuentran, de refugios y de desencuentros. Muy linda.

Animals: La del osito de peluche. Otra que sorprende. Como no vi Donnie Darko me hizo acordar, en su feeling, a Heathers, pero quizás porque no la veo hace 20 años. Hay coming of age tambien, pasaje de la inocencia al salvajismo, a la pulsión de muerte y de sexo que como leí en un resumen de bataille es lo mismo, pero de un modo muy cool, muy oscuro. Buenos golpes, buenos animales, buen bosque, buen mar. mucha naturaleza de esa que les geusta a los catalanes, nebulosa, encantada, mucho gusto, mucho estar y no estar. Y una buena manera de estar y no estar es ser un adolescente indie. El oso indie se llama Deerhoff. Es genial, con eso podía bastar para toda la película. Si tu banda favorita es Deerhoff es que sos una persona muy sola. Estas y no estás. Bastaba con eso. Pero hay mucho más.

Los Ilusos. Arranqué odiándola. Me hizo acordar a los amantes regulares, toda esa mierda de juventud vanidosa, onanísitca, que se autoidealiza a través de la miseria; pero que nunca puede mostrarse banal, insegura, tonta, no se puede reír de sí misma. Para mí eso empezó con rayuela. O sea, seguro que no, pero mi odio a eso empezó con rayuela. Extrañé el mumble core, extrañé a Hong Sang Soo durante la película. Pero después se ablanda e incluso consigue buenos momentos cómicos.  Zafa. Igual... ya basta de cine dentro del cine. Basta de reflexionar sobre el cine,me tienen cansado. Reflexionen sobre la radio o el fax, dejen la reflexion sobre el cine para unos pocos que tengan algo que decir al respecto.

Far From Afghanistan. Un poco simplona, panfleto arty, con todo lo que eso supone. La película denuncia que los estadounidenses no le dan bola a las atrocidades en oriente porque los medios lo ocultan. Y entonces hacen una película que tiene muchos planos fijos largos de una lechuza mirando a cámara... qué se yo.

El olimpo vacío. Es... divertida, en algun momento logra generar algun punto argumentativo al menos desde el estímulo audiovisual, no desde las ideas. De Sebrelli... qué decir, pura vanidad y simplismo. Por ejemplo, quiere creer que todo el mundo piensa que Maradona es perfecto menos él. Que nadie sabe que apoyó a Menem y Cavallo, que es contradictorio, y entonces él viene, el outsider romántico que se enfrenta contra todos para demostrarnos lo tonto que somos, lo ingenuos, cómo se creen el mito! Un adolescente de como 100 años.

por ahora es lo que hay. Salió bastenante legiblwe dentro toddo

Llegaron las buenas buenas: A última vez que vi Macau de Joao Pedro Rodriguez y Joao Rui Guerra da Mata y Museum Hours de Jem Cohen

Tan distintas y tan cercanas estas dos películas. Peliculas ensayos de autores a los que les maravilla el mundo. Salimos del cine y nos sentimos mejores; más ricos; sentimos que comprendemos más lo que nos rodea. Es extraño, mucho de lo que puedo decir de estas dos hermosas películas se aplica también a la mayoría de las mediocres que hemos visto; son sinceras, honestas y verdaderas. También hablan muchas veces en primera persona y a su manera intentan de retratar el ¨mundo¨. Sin embargo lo que en otras es pintoresquismo aquí es descubrimiento y revelación. No he visto película más roquera que la de Cohen cuyo protagonista es un guardián de museo entrado en años y amante del gran arte por decirlo de algún modo. En una escena memorable le confiesa a la mujer que acaba de conocer; ¨le tengo que confesar que me gusta el Heavy Metal¨...Tiran algunos nombres hasta que llegan a AC/DC. La mujer se rie; ¨a quién no!¨. Todo el cine independiente ¨adulto¨contenido en ese diálogo. Hay mucho más. Con tan pocos recursos tanta exhuberancia. La ficción creada a partir de hechos reales y la ficción transformada en la vida misma. Jem Cohen había presentado ya en otro BAFICI su memorable documental ¨Instrument¨ acerca de Fugazzi. El artista punk devenido en sabio. La irreverencia de los pequeños gestos. La independencia de la inteligencia y la sensibilidad. Los detalles de un cuadro de Bruegel confundidos con el escaparate de un negocio de chucherias en Viena que abre unas horas a la semana. Un Macao cubierto por la bruma como el lugar físico donde habita el pasado. La nostalgia y la memoria como una de las bellas artes. DJ malhumor.

Chroniques sexuelles d'une famille d'aujourd'hui, de Jean-Marc Barr y Pascal Arnold

Esperábamos más. Simpática, livianita, francesita, y sí, algo de sexo y algo de crítica social. Una madre francesa, superpoderosa ella, rubia y flaca y sexy a pesar de ser madre de adultos ya, se pone a investigar en la vida sexual de su familia. Pobres hijos. Qué sé yo. No la van a pasar mal con esta peli, pero dudo que la recuerden el mes que viene.

Todavía pueden verla:

Jueves 18, 23.40, V. Recoleta 3
Domingo 21, 23.30, V. Recoleta 4

Tanta agua, de Ana Guevara y Leticia Jorge

Más cine uruguayo. Me interesaba volver a ver un lugar entrañable como son las termas de Arapey. Pero, la verdad, salí un poco decepcionada. El catálogo ponía esta peli en serie con otras grandes obras uruguayas, como Whisky; me parece un poco excesivo. Más bien me hizo acordar a decenas de películas argentinas que vi en Baficis y que están bien pero no tanto, y a la larga cuesta recordar. Un aire a Celina Murga pero con medio toque de horno menos. Aguadito.

AninA, de Alfredo Sodergut

Esta es la gran mimada del Baficito, porque es la primera vez que una peli de esa sección -mi favorita total- forma parte también de la competencia oficial. Así que me pidieron voto del público y puse 4, o sea, muy buena. Es una hermosa película de animación, con dibujos maravillosos y una historia tierna, sentida y conmovedora, que además toca de cerca por ser uruguaya y representar Montevideo (los directores comentaron que en Alemania les preguntaron "por qué son tan raras las casas"). Pero, por algún motivo, no me deslumbró. No todos los días se encuentra un McDull, o un Básicamente un pozo.
Anina Yatay Salas es una nena de diez años harta de que le digan niña capicúa en la escuela. Carga con ese nombre "que parece un chiste" por culpa de las obsesiones de su padre. La relación de Anina con su papá y su mamá me recuerda un poquito a Mafalda.
Los problemas de Anina -que le digan capicúa, que la directora la castigue o que el chico que le gusta no le dé bola- son tratados con la gravedad que merecen: toda. Ése es un acierto. Otro es la banda sonora con canciones uruguayas. Pero mi favorito total es la pesadilla de Anina, con inspiración en los terrores de Alicia ante la reina de corazones. O, directamente, de las penurias de los alumnos de The Wall.

Las funciones en cines ya terminaron, pero todavía pueden verla, gratis y al aire libre, en el hermoso anfiteatro de Parque Centenario.

Sábado 20 a las 19.30, Av. Ángel Gallardo y Leopoldo Marechal

Not in Tel Aviv, de Nony Geffen

Es lindo cuando apostás por una peli de esas de las que nadie dice nada y ganás. ¿Comedia? ¿Romántica? ¿Negra? ¿Acción? ¿Persecuciones? ¿Policial? Sí. Y tríos (o al menos triángulos), y situaciones disparatadas, y miradas demasiado intensas, y gente muy linda filmada en blanco y negro. El protagonista -que, de paso, es encarnado por el director y guionista- es echado de la escuela en la que trabaja. El por qué es lo de menos, de aquí al final del film; lo único que hay es una vertiginosa fuga para adelante donde nadie quiere que el presente se termine. El muchacho secuestra a su mejor alumna y se la lleva a la casa; ella encuentra bajo la almohada la foto de otra chica. Hay una pistola y se usa, pero los sentimientos llevan la acción de las narices. La escena del aquelarre de feministas justifica toda la película. Advertencia: redondita no es. Pero vale la pena. Me hizo acordar a la primera vez que vi Tan de repente: energía.

Todavía pueden verla:

Jueves 18, 16.45, V. Recoleta 2
Domingo 21, 21.30, V. Recoleta 2

I catch a terrible cat, de Rikiya Imaizumi

Siempre es bueno empezar el Bafici con una oriental. Sí, perdón, ya sé que el Bafici ya está por terminar; lo empecé tarde, el viernes pasado, y tardé en poder bajar la reseña, perdón. Como sea: comedia romántica japonesa es 110 por ciento Bafici. Un escritor bloqueado, otro escritor exitoso pero triste, el bar al que van y las tres mujeres que lo atienden, los hijos del escritor y sus miserias de pareja: listo el cóctel. Lo que empieza como una seria película de desencuentros emocionales termina en comedia coral a lo Hollywood, pero con la precisión y el humor filoso de los romances de Johnny To (cómo te extrañamos, Johnnie). Y a la final, el único que alcanza a su objeto de deseo es -con suerte- el espectador.

Todavía pueden verla:
Jueves 18, 16.55 V. Recoleta 10
Sábado 20, 19.10, San Martín 1

The Act of Killing (Joshua Oppenheimer)

En una de las escenas más éticamente cuestionables, pero no por eso menos fascinantes de The Act of Killing sucede lo siguiente. Después de recrear el incendio de una aldea comunista, una niña no para de llorar. Además de extra, es la hija de uno de los asesinos que protagonizan la película. Su padre le pregunta, sinceramente extrañado: "¿Por qué llorás? Si es una película, nada más”.

Lo primero que aparece en The Act of Killing es el horror de la impunidad que ni siquiera se percibe como impunidad. Mercenarios que mataron a miles de personas durante el genocidio político indonesio aparecen muy alegremente contando sus crímenes como quien cuenta un golazo que hizo hace 40 años. Le puse el cable acá, limpiábamos la sangre ahí, había mucho olor. Son tipos ni siquiera muy concientes políticamente, ni siquiera realmente anticomunistas, más que nada eran freelancers, “hombres libres” como se insiste desde el gobierno y los medios, gángsters. En terminos de banalidad, Eichmann es un poroto. Y ahí ya surge alguna cosa. ¿Cómo puede un criminal narrar su propia historia? ¿Qué distancia se puede tener frente a semejantes crímenes?

Después viene la representación. Los criminales acuerdan filmar una película de estética hollywoodense para contarle sus hazañas a las nuevas generaciones. A pesar de su fuerza represiva, el poder indonesio nunca relegó el papel de la propaganda, de las películas y los noticieros que ayudan a escribir la historia. En esta producción, los criminales no sólo se interpretan a sí mismos, también interpretan a sus víctimas. La evolución que provoca la representación en cada uno de ellos es diversa y fascinante. Para alguno todo continúa siendo un juego, para otro un nuevo capítulo en la historia de mentiras creadas para cubrir las atrocidades sin que eso implique remordimiento alguno, pero para otro, para Anwar Congo, ese personaje horriblemente humano, y que al comienzo de la película se mostraba orgulloso de sus asesinatos pero con un atisbo de duda, con una preocupación mayor por la justificación, empieza a tambalear. Con la representación comienza a crecer en él una nausea, un malestar inexpresable; el síndrome del padrastro de Hamlet. Seguir creyendo en la inocencia de la representación es un poco más difícil después de ver The Act of Killing. ¿Qué es la historia? ¿Cómo construimos la historia? ¿Cómo nos construye la historia? Nunca el imbrincado triángulo entre hechos, representación e historia tuvo una puesta en escena tan contundente. Donde empieza uno y termina el otro se revela como un límite totalmente artificial. La memoria, o como quieran llamarle, está por ahí, en el medio de esa ensalada de sangre y efectos especiales.

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Berberian Sound Studio, de Peter Strickland

El grado de cinefilia y las fuentes en las que busca sus inspiraciones Berberian Sound Studio, hace que sea una película difícil de no ser amada por el cinéfilo. Aquí conviven La conversación, The shout, Blow up, Peeping Tom, el giallo, David Lynch y Dario Argento (lo que se dice sobre el director Santini: “no es una película de terror, es una película de Santini”, tranquilamente se podría adjudicar al grandísimo Argento). Sin embargo, y este es su mayor merito, la película supera el hecho de ser una lista de referencias cinéfilas para transformarse en una extraña pesadilla y la sofisticada descripción sensorial de un mundo alterado en el que cae el obsesionado sonidista protagonista del film. Debe haber algo en el giallo, ese género que en los 70 supo mezclar el suspenso con el terror que, tantos años después, su herencia (y espíritu) sigue generando obras tan particulares como Amer, de Hélène Cattet y Bruno Forzani (vista en el festival de Mar del Plata) y ahora Berberian Sound Studio. Seguramente se trata de algún tipo de (hermosa) maldición.

Por aquí se puede leer un reportaje al director Peter Strickland, realizado por la revista Cinemascope.

Marcelo Alderete

I used to be darker de Matt Porterfield

No la habíamos visto (ni siquiera la habían proyectado) pero ya la habíamos reseñado aca: http://encerradosafuera.blogspot.com.ar/2013/04/mitad-de-semana.html